LeE HARVeY OsMOND - Beautiful Scars (2015)

noviembre 30, 2015 2 Comentarios

Tras el nombre de Lee Harvey Osmond se encuentra Tom Wilson, veterano artista canadiense que lideró al grupo Junkhouse y forma parte de los fantásticos Blackie and The Rodeo Kings, lleva pues unos cuantos discos a la espalda, y fue precisamente gracias a estos últimos que le presté la atención debida al debut que se marcó hace ahora séis años bajo este alter ego, el fantástico "A Quiet Devil", canela en rama. Además en aquel disco se hizo acompañar por miembros de los Cowboy Junkies, más alicientes pues.

Beatiful Scars ha ido escalando posiciones a lo largo del año, o mejor dicho desde que apareciera hace más de séis meses, de momento mi favorito o quizás empatado con su debut. Y yo sé que las comparaciones son odiosas, pero en este caso son inevitables puesto que este disco logra la excelencia en las mismas coordenadas donde Mark Lanegan no me llega, el paralelismo por la voz grave y su manera de encarar cada interpretación es evidente, aunque digamos que Wilson gana sobradamente con canciones que superan la condición más ambiental del americano, aportando una profundidad musical más orgánica y rica en registros, y con una sideband de auténtico lujo formado por miembros de su antigua banda Junkhouse, de los propios Rodeo Kings, de los Cowboy Junkies y de los Skydiggers... 

En cuanto a la música Tom Wilson toca muchos palos, blues, country, folk, rock, r'n'b, clara amalgama de influencia americana sin restricciones pero nunca acercándose de una manera totalmente ortodoxa. Empezar el disco con "Loser Without Your Love" es una verdadera declaración de intenciones, de entrada introduce algunos de los detalles que acompañarán el minutaje en algunos de los momentos destacados, la flauta, guitarra bluesy y vaporosa, teclados smooth jazz y un ambiente noir muy atractivo que esconde la base r'n'b sita en New Orleans que luce moderna, etérea y sugerente. Una de las canciones del año es la fantástica "Blue Moon Drive" equilibrio perfecto entre el Tom Waits baladista con vientos jazz y ritmo latino, evocadora como la mítica "Kiko and the lavender moon" de los Lobos. Y en "Shake The Hands" los sonidos pantanosos de Tony Joe White son reinventados con elegancia e ingenio, una apuesta por los arreglos experimentales, Wilson arriesga sin miedo.

La psicodelia de vaporosas guitarras introduce "On the Gods" de ambiente denso y espíritu funky, pero no todo es ácido, la balada acústica "Come and Go" logra salir a flote pese a su sencillez con una interpretación magistral y sentida.  La slide en la sugerente y también acústica "Hey hey hey" es de auténtico gozo, tanto como la harmonía vocal de Andrea Ramolo excelente en sus intervenciones (ojo, apunten el nombre, me he vuelto a enamorar: https://goo.gl/A1vZL2), de nuevo la slide en "How Does it Feel" una balada oscura que me atrapa como pocas. "Planet Love" es misteriosa e inquietante, guiada por un teclado entre efectos sonoros diversos. Se permite aplicar ritmos ácidos de club nocturno que le hacen valer la etiqueta de acid-folk en la experimental "Back Spruce" banda sonora perfecta para una noche de farra justo en las horas que separan la noche del día, flauta años setenta, guitarra entre blues-jazz, humo y mucho alcohol. Vuelve por los fueros acústicos sellando este tracklist con "Bottom of our Love" donde se mueve como pez en el agua por el territorio country-folk del que Johnny Cash fue el número uno en los 90.

Si el propósito es envolver al oyente en estos ambientes entre amables, oscuros, experimentales y por momentos inquietantes, lo consigue al ciento por cien, a remarcar la producción del cowboy-junkie Michael Cummings que tiene su peso, pues moviéndose entre varios registros estilísticos el resultado logra una unidad más que certera. Pero sobretodo lo que hace que Beautiful Scars esté en lo alto de mis preferencias de este año aún en curso es que me resulta un disco muy muy adictivo.


The Jangle Band - Kill The Lovers / This Soul is Not For Sale (2015)

noviembre 28, 2015 3 Comentarios

La portada con una rickenbaker en primer plano y el nombre del australiano Joe Algeri pululando en los créditos ha sido suficiente para que me detuviera a escuchar este tesoro.

Joe Algeri es un tipo prolífico al que es difícil seguir la pista, para quien no le conozca apuntar que es un veterano de la escena australiana de Perth, aunque le conocí hace pocos años y me sorprendió con un proyecto llamado The Brittanicas junto al americano Herb Eimerman, otra joya escondida, siempre en mil y un berengenales: The JAC, Jack & the Beanstalk, Summer Suns. Ahora se saca de la manga un nuevo debut con una nueva formación y el nombre The Jangle Band, nombre que ya de entrada no intenta ni dismular que estamos ante jangle-pop de la vieja escuela. Para ello el sr. Algeri ha fichado a otras dos figuras con él, Jeff Baker y Ian Freeman, también veteranos de bandas míticas y ya olvidadas de la escena de Perth de los 80, ¿Os suenan The Palisades, Mars Bastards, The Rainyard y Header?

Visto el resultado de estas dos canciones es evidente que este grupo sólo busca agitar de nuevo sus guitarras en busca de el dificil hueco entre las viejas melodías que transcurren por esa siempre recurrente carretera que tanto amamos camino de la West Coast de la mano de los primeros Byrds y con los Beatles en el relicario, sobretodo tienen la magia. Con sólo dos canciones, "Kill The Lovers" y "This Soul Is Not For Sale" hay suficiente para alegrarse uno la vida, sólo dos canciones que son capaces de abrirse paso entre los nubarrones grises que acechan en el horizonte, canciones que dejan la miel en los labios y a la espera de que ésto se transforme en un formato largo. Efectivamente, suenan Rickenbakers y eso siempre es motivo de celebración.


The Wellgreen - Summer Rain (2015)

noviembre 27, 2015 5 Comentarios

De nuevo fue una melodía que me llegó de improviso, y como pocas veces ocurre en este mundo sobreinformado, fue gracias al cartel de un concierto que me descubrió el oro. Los escoceses The Wellgreen han editado un clásico instantáneo, uno de esos discos que provocan chisporroteos en el estómago y que no necesita demasiadas escuchas para hacer entender a quien corresponda que no perderá su encanto por mucho que pasen los años.

Esta vez mejor quitamos el "power" y dejamos el "pop" a secas, porque en las referencias habituales del género nacido a la estela de la Gran Estrella se anteponen influencias tan difíciles por gastadas como los Kinks y los Beatles básicamente, difícil además si es que se intenta llevar con personalidad y sin sonar a pufo. Magníficos por los matices y arreglos cuidados pues cada detalle cuenta como un puzzle que encaja a la perfección, donde los teclados juegan un papel enriquecedor importante y las guitarras tienen una elegancia que sobrepasa los cánones del pop actual, añadamos unas harmonías celestiales, perfectas, quitemos el "indie" también, con una intención explícita de sonar clásicos, se nota, pero es que lo consiguen con canciones que enganchan a la primera.

"Summer Rain" consigue eso tan difícil que hacían los Kinks, salvando las distancias, creando un estribillo que raya la ingenuidad pero que a su vez tiene la magia. No hay canción mala en esta rodaja, pero si es verdad que se identifica el hit potencial en "Maybe It's The Pressure Of The City Life That's tearing Os Apart" que no puede pasarse a nadie por alto. Y por favor, que venga Paul McCartney y que escuche si es que no lo ha hecho ya la canción "Jennifer" porque os dejará atónitos por todo lo que conlleva sacar una canción que ya sabes en los primeros segundos que tuvo que nacer entre Rubber Soul y Revolver. Disco a la sombra de la influencia universal del pop y que colorean con homenajes en algunos detalles como en "Grin and Bear it" donde os vendrá a la mente Marc Bolan sin pensar. Que balada y que maravillosa la intro a capella de "She's The Greatest", cuando se tiene la canción incluso funciona sin instrumentos. A la altura de "Remember" ya no importa si su fórmula entre estos influjos de sonoridades amables es conocida, y te pasearán por la playa en la soledad del atardecer con "The Circle" y se permiten además el lujo de situarte en la radiofórmula de principios de los 70 de la mano del soft-rock de "Imposible Love", mágico, como "Dreams Are Made For Dreamers" que tiene la ingenuidad positiva de los años 60.

Es difícil no estar escuchando estas canciones y caer en la trampa de soltar que es el mejor disco de pop editado en mucho tiempo, porque primero habría que salvar todas las distancias habidas y por haber respecto a los grupos máximos que nos vieron crecer, sobretodo el regusto meloso que Paul McCartney patentó, pero incluso aplicando la lógica que acucia desde que la primera canción empieza a sonar, no puedo evitar sentir una sensación muy parecida a cuando, después de un tiempo, vuelvo a escuchar las viejas canciones que nunca envejecen, las que lucen perfectas y radiantes, estas tan familiares que parecen haber existido por siempre congeladas en un lugar situado entre mediados de los 60 y poco antes de la contracultura.

El caso es que por allí por donde pasan, The Wellgreen con sus directos deslumbran a las gentes que aún tienen a bien pagar su entrada confiando en la palabra de su dealer concertero. Y todo gracias al Pretty Olivia Records, pequeño sello alicantino quien en su labor de espeleología de la melodía ha recopilado las mejores canciones de sus dos CDs en este vinilo que nos ocupa, más tres canciones nuevas, tómese como un nuevo comienzo para ellos, o como una nueva oportunidad para nosotros, pero que no cause ningún rechazo esta condición de recopilatorio porque os aseguro que después de la escucha de estas canciones dormiréis como niños esta noche.

Star Trip - Star Trip (2015)

noviembre 26, 2015 10 Comentarios

Llevo tiempo escuchando por las calles que el power-pop reinará sobre todos los estilos. En Valencia, por ejemplo, tenemos un templo que suele cobijar a todo aquel que venga con guitarras y una buena melodía, y fue por el Loco Club y su fascinación por el power-pop que supe de la existencia de Star Trip, hace poco presentaron su disco allí, y me pilló a contrapie. Una banda que dará mucho que hablar, o al menos debería. Su alma matter es Vicente Prats, artista totalmente desconocido y del que la única referencia anterior que existe es el disco que grabó hace más de cinco años y que conocen cuatro gatos, una delicia, una joya escondida a su nombre que fue reeditado el año pasado gracias a Pretty Olivia Records, pequeño sello alicantino que cuida con mimo a verdaderas golosinas del pop actual. Por desgracia ese primer disco ya está agotado (por favor, escuchad esto: https://goo.gl/shk9vt).

Pero aún llegáis a tiempo para este nuevo disco. Estoy noqueado con el artefacto sonoro que Vicente Prats ha grabado bajo el nombre de Star Trip, su banda (Álvaro Arciniega, Rafa Navarro, David Osete), y no sólo porque es un grupo valenciano y trato de defender "lo nuestro", que también, es que no hay actualmente ningún grupo en este país capaz de remitir directamente a los grandes del power-pop, alumnos aventajados de la escuela de Alex Chilton, a Big Star y sin complejos, o si preferís la mejor versión en castellano que pudíeramos tener de Teenage Fanclub y de Mathew Sweet, del ramal de los Beatles y del jangle pop de los Byrds. Incluso en latitudes más cercanas podríamos marcarles algunos precedentes como La Granja y Cooper, pero tienen sus canciones, música luminosa, estribillos por doquier, guitarras protagonistas y harmonías vocales, suenan Rickenbakers y eso ya es motivo de celebración.

Un disco que acaba de salir y que principalmente cumple la regla principal del pop, la que dicta que desde el primer segundo la música dibujará una sonrisa en tu cara. Vaporosas harmonías en "La explicación", un riff conciso en el primer single  "Todos los caminos traen aquí" un hit potencial, viejas melodías sixties en "No puedo defenderme", pop perfecto en "Estás ahí", arpegiados byrdianos en "Nada va a cambiar", versos que encajan con ritmo beat en "Carla", clasicismo beatle en "Ya no eres como antes", fantástica slide incluida en la playera "Mi suerte se acabó", un EP largo, o un disco que se hace corto, como queráis, y que termina con una demo de regalo o canción fantasma, como se prefiera, "Mírame y miénteme (demo)", que de demo poco tiene, como todas, entra dulce y sin empalagar.

Un disfrute de principio a fin. Star Trip se traen el pop de toda la vida, el que nos recordará a héroes que ya nadie recuerda unas veces, o a viejos clásicos de los 60 otras, pero siempre con la melodía por bandera y grandes canciones que no necesitan más explicación que la satisfacción que provocan su escucha. Muy recomendable.

Escuchar el disco: https://prettyoliviarecords.bandcamp.com/album/star-trip
Comprar el disco vinilo: http://prettyolivia.bigcartel.com/product/star-trip-star-trip 

 

Mink DeVille - Cabretta (1977)

noviembre 25, 2015 Comentar
Aún resulta excitante este paseo por la gran manzana, con chulería y elegancia, y con un puñado de canciones míticas que deberían saltar de la nota al pie de página de la historia del rock.
Mink DeVille continúa teniendo un halo minoritario, como de culto, aunque para mi sus primeros discos continúan en lo alto de la producción de finales de los 70 / principios de los 80. Una personalidad propia, ajena a las modas y atemporal, aún hoy en día no ha perdido ni su encanto, ni el enorme atractivo de su interpretación. Uno de los grandes sin lugar a dudas que ya pasó por aquí en la reseña de Coup De Grâce, otro de mis favoritos. Hoy amplío las arcas de la Route con otro de sus grandes discos, el debut también mítico "Cabretta".

Para mi la grandeza de la música de DeVille reside en su capacidad para no dejar escapar todo el influjo de los grandes nombres de los 50 y 60, sobretodo del Rhythm and Blues de canciones perfectas de grupos como los The Drifters, The Crystals, el universal Doc Pomus... y añadiendo la fuerza y la pasión que llevaban aquellos últimos años 70. Aunque él poco tenía que ver con todo el movimiento punk, y pese a su desconexión generacional se hizo un nombre con sus enérgicos directos. Entonces Jack Nitzche quedó prendado de su magia escénica y le produjo tres discos, Cabretta (1977), Return to Magenta (1978), y Coup de Grâce (1981), en una de las relaciones artísticas más singulares de los setenta, el propio Nitzche decía de Willy DeVille que era el intérprete más grande con el que había trabajado nunca, y por la parte que le toca a Deville siempre le procesó un gran respeto y su amistad. Apuntar que Willy DeVille dedicó el disco Crow Jane Alley (2004) a la memoria de Nitzche, un disco un tanto oscuro y posiblemente entre lo mejorcito de sus discos más recientes, no muy conocido.

Pero hoy quería volver a escuchar el disco "Cabretta", un debut que no pierde la fuerza a pesar del paso del tiempo, una gran joya escondida del rock. En aquellos años Mink DeVille sólo compartía con los abanderados del CBGB los cables de los micros y poco más, nunca perteneció a esa generación, todo un caballero que nació una década tarde, y estoy convencido de que Nitzche veía en él al hijo artístico que nunca tuvo, un dandy de la working class que cantaba con toda el alma, con chulería y clase, buscando la misma redención en el rock'n'roll que encontraron otros como Springsteen, aunque no con la misma suerte y repercusión.

Así que teniendo en cuenta las influencias musicales que le marcaron no podía faltar una versión de principios de los 60, "Little Girl" que popularizarían The Crystals como Little Boy. Otra versión es la humeante "Cadillac Walk" de John Martin, ese tipo de canciones que no las puede cantar cualquiera porque requieren ser interpretadas con fulgor y pasión. Canciones como "Venus Of Avenue D" te invitan a chasquear los dedos, una delicia de saxo, un estallido eléctrico, una maravilla. Y menuda balada "Can't Do Without It", soul de muchos kilates, Ay Clarence! donde quiera que estés, este solo también lleva tu marca. Otro clásico de la banda y fijo en su repertorio es "Spanish Stroll", por favor escuchadla, aquí es donde uno empieza a creer en la mística de Nueva York, la misma que atrapó a Lou Reed, y con canciones como "Mixed Up, Shook Up Girl" no puedo evitar imaginar una orgía entre los personajes de la E Street Shuffle y el Underground mítico que pintó DeVille. 

Los coros también dan su nota de color, a cargo del grupo vocal The Inmortals que por cierto tuvo a bien incluirlos en la contraportada, su peso tienen en el disco. También hay que hacer especial mención al saxo de Steve Douglas, colaborador que se trajo Nitzche consigo, y artista de artistas que ha tocado con la flor y nata. El propio Mick Jagger merodeó por las sesiones siguiendo el rastro de Nitzche, allí se olía algo grande a la legua. Y es que a Mink DeVille le corría por las venas la grandeza del Rock'n'Roll, tenía Blues y Rhythm and Blues, también esos detalles que le separaban de lo vulgar pues lograba que el Zydeco, New Orleans y la Gran Manzana se dieran la mano, además con unas guitarras crudas y gloriosas, y un deje latino que le hizo arrastrar el término Pachuco Rock, una etiqueta como otra cualquiera que a mi entender sirvió para marcarle como un elemento exótico que en cierta manera le separaba de su verdadera naturaleza Real junto a los grandes del rock'n'roll, las cosas como son.

Aún resulta excitante este paseo por la gran manzana, con chulería y elegancia, y con un puñado de canciones míticas que deberían saltar de la nota al pie de página de la historia del rock. Grande por siempre Willy DeVille desde que empezó con este primer gran disco.

The Jayhawks. Tres décadas de melodías y armonías celestiales

noviembre 20, 2015 7 Comentarios

... habría que cubrir con pétalos de rosa el camino del backstage del escenario de la sala de la ciudad de turno cada vez que The Jayhawks se decidieran a cruzar los límites de este país, pues quieran o no, son unos clásicos del rock de nuestros tiempos ...

El año en curso tal vez pueda dar mucho juego a la hora del homenaje, o puede que estos grupos que sobrepasan el cuarto de siglo sean las referencias musicales que nos han acompañado a toda una generación hoy ya en la madurez, aunque ésto no se trata ni mucho menos del ejercicio nostálgico de turno, o sí. O es la simple constatación en el caso de The Jayhwaks que lejos de la condición de ser: 'el mejor grupo desconocido' que tantos años les ha acompañado, han pasado a formar parte de este Olimpo de artistas ya consagrados para propios y extraños, y lo mejor de todo es que todavía están en activo con una obra de una gran calidad a defender cada noche.

Al igual que otros artistas como Wilco o Ryan Adams, salieron con gracia del callejón sin salida de la No Depresión, en su caso a base de melodías y armonías vocales únicas en su tiempo y con un tono que estuvo más cerca de los clásicos de los 60 y 70, que de sus precedentes en los 80. Pero su esencia musical de fácil digestión, las cosas como son, no obtuvo la difusión que lógicamente debería haber merecido, pues sus tonadas aún hoy en día no desentonan para nada junto a muchos de los clásicos impertérritos que desde los albores de la british invasion vienen siendo reproducidos en bucle en las emisoras más escuchadas. Hagan la prueba. No hay algo con lo que disfrute más que pinchando algunas de sus canciones a conocidos que desconocen su música, nunca falla, el hechizo Jayhawk siempre produce su efecto.

Para mí The Jayhawks es hoy por hoy el grupo de Gary Louris junto a unos compañeros de viaje que le apoyan y le dan seguridad, tanto Marc Pearlman, como Karen Grotberg y Tim O'Regan, son la verdadera base para que ésto funcione, sin dejarme al gran refuerzo que siempre fue Kraig Johnson (con una carrera propia y momentos realmente buenos), y admitiendo luego que Mark Olson dejó una pátina de excelencia en dos discos fundamentales de la banda antes de partir hacia proyectos más arriesgados. Quizás a Olson le hubiera gustado que aquello se acabara con su salida, que aquellas sentidas canciones que tenían mucho de sus pasado doloroso se quedarán allí, ¿quien sabe?. El caso es que Louris continuó adelante y lo hizo francamente bien.

Sin estar entre lo mejor de su discografía, el último disco conserva la gracia de antaño, pero los hechos son los que son, si acaso Mark Olson merecería grandes respetos y un especial dedicado a él sólo por su obra con los Creekdippers, y por este "Salvation Blues" que es un clásicos escondido de su tiempo. Pero muy importante es apuntar que The Jayhawks no son sólo "Hollywood Town Hall" y "Tomorrow The Green Grass", vale que se podrían haber plantado allí y ya serían reconocidos, pero el tema es que la obra de este grupo es de una amplitud tan magnífica y en parte desconocida, y de tal gozo a la escucha que merece al menos un recordatorio a modo de guía para todo aquel que hasta la fecha sólo se haya quedado con la soniqueta de grupo "alt-country" de los 90, está claro que ya no son unos chavales y están más cerca de la etiqueta de "grupo veterano rentabilizando su repertorio con cierta nostalgia", en su derecho están por la poca repercusión que obtuvieron en el pasado, pero sisters and brothers, la magia de los Jayhawks en directo está, y ojo con el disco que está por venir porque me da que tendré que rehacer este especial, pero bueno, que me los den como quieran que nunca me cansan. Vamos punto por punto.

¿Que la descendencia bastarda del Santo Patrón Gram Parsons está presente en su discografía? vale, también, claro. Y aquí entra en juego lo que debería constar como su primer disco de debut también llamado The Bunkhouse Album, totalmente desconocido ya que las escasas dos mil copias editadas inicialmente se han cotizado a precio de oro hasta que Lost Highway lo reeditó en 2010. Poco tiene que ver con lo que desarrollarían en los 90 a excepción de unas partes vocales siempre en recalcar, pero si lo situamos en los patrones de la No Depresión debería ser valorado como el gran disco que es. Aquí dejo el apunte para las mentes más curiosas. Como curioso es que casi la totalidad de las canciones fueron firmadas por Mark Olson, ahí queda el dato. Os aseguro que no os podréis resistir al encanto de tonadas como "Let The Last Night Be The Longest", una de las tres firmadas por el tándem, y un "King of Kings" de Mark Olson que es una auténtica maravilla en su dylaníssima concepción.

Paso de su segundo disco que tiene unos cuantos grandes temas como este "Ain't No End" que conocen cuatro gatos, y también pasaré los celebérrimos ya nombrados, Greengrass y Town Hall, y no por desprecio como una vez mostró Louris cuando soltó aquello de "- después de Blue poco queda por hacer", él sabe que no es cierto y que son dos obras maestras indiscutibles de todos los tiempos, pero hubo mucho y bueno después, claro que si, entonces veo necesario detenerme en el no muy valorado Sound Of Lies, un discarral como la copa de un pino que superó con creces el estigma de la marcha de Mark Olson y disipó toda clase de rumores respecto al futuro de la banda, Marc Pearlman le dió un contrapunto a Louris en las pocas co-escritas juntos, y Tim O'Regan lo hace muy muy bien como segunda voz logrando que las armonías no pierdan la magia. El hecho es que casi la totalidad de canciones están hechas por Gary Louris, lo que le confieren el título de líder indiscutible. "The Man Who Love Life", "Trouble" y "Big Star" a considerar lo mejorcito de su década, hechas con las melodías y los versos capaces de curar cualquier alma insomne ​​o con falta de arropo.

Smile es uno de los discos que sale peor parado relación calidad-reconocimiento. El resto del grupo empezó a meter mano a las composiciones, así pues en el tracklist de entrada despunta la canción "Smile", un salvavidas de las que te quedan para siempre, pero hay otras perlas a considerar, pop de la vieja escuela digno de Simon&Garfunkel y de Paul McCartney..., ya sabéis, dulce que no empalaga, "A Break in the Clouds" es una de esas maravillas que guardo como tesoro a buen recaudo, lo mismo podría decirse de "Broken Harpoon", canciones ambas que no suelen entrar en los repertorios de directo pero que su simple escucha te hacen mejor persona. El ritmo medio bailable y la patina más moderna de "Somewhere In Ohio" representa como ninguna el sonido que hizo dudar a ciertos fans de base que tildaron este disco de experimental, por favor, la gente debe escuchar más a Coltrane.

Y llegamos ante Rainy Day Music, la que para mí es la obra maestra de Gary Louris, de su carrera, o de su etapa sin Mark Olson frente a The Jayhawks. "Save It For A Rainy Day" es una de las canciones más grandes de su discografía, America y CSN&Y se dan la mano, y "All The Right Reasons" es una canión de cuna de las que te reconcilian contigo mismo, cuantas noches me ha acompañado y me ha dicho al oído que todo irá bien. Putoamismo total con "Talspin", pocos son capaces de llevar a Dylan y a The Band de este modo en la actualidad y sin resultar un plagio revival. Pero dejando de lado las reediciones más recientes del año 2014, me parece imprescindible la segunda edición bonus-disc de ese mismo año con un par de canciones: "Caught With A Smile on my Face" y "Fools On Parade" que por dios Louris! en que estarías pensando cuando las dejaste fuera del tracklist principal? Hay muchos días que cuando escucho este disco dudo si meterlo delante de "Tomorrow The Green Grass". Tonadas para hibernar, para dejar el mundo allí fuera y abrazarse a la calidez del hogar. Discarral.

Después de tres años sin noticias de los Jayhawks aparece este Another Fine Day del grupo paralelo Golden Smog, y que me saco de la manga. Este disco ya ha sido comentado aquí con especial devoción, un disco que aunque no va firmado por la banda homenajeada, para mí luce muy bien y no desentona empotrada en su discografía. ¿Y me diréis qué pasa con Tweedy que también aparece en los créditos? lo de Tweedy en este disco es casi un acto presencial, la mitad de la formación pertenece a los Jayhawks, más Ed Ackerson siempre en las cercanías de una u otra forma. Y casi todas las canciones aparecen firmadas por Louris. Cábalas aparte, sólo tenéis que escuchar "Listen Joe" o "Think About Yourself", a cualquiera que no conozca este disco le tapáis los ojos y le decís que es el disco power pop perdido de los Jayhawks y se lo traga entero con una sonrisa en la cara y sin rechistar.

Voy enfilando la recta final con Mockingbird Time, cacareada vuelta de Mark Olson a la formación. Dividió a crítica y platea, los 'no dicen nada nuevo' y los 'es lo mismo de siempre' de los haters habituales no me molestan tanto como los concienzudos y analíticos 'por debajo del Green Grass y Town Hall', no te jode! vamos muchachos, decidme discos actuales que vengan con la bandera de la melodía y os gustan, y los ponemos al lado de estos dos, entonces el argumento pierde valor pues casi todo palidece a su lado, ahora decidme algo que yo no sepa. Escucho estos tiempos de pájaros una y otra vez, y la magia está ahí, la canción que da título al disco es una auténtica maravilla, como lo es la pegadiza "She Walks In So Many Ways" o "Closer To Your Side", que me las den como la dulce "Poring Rain At Dawn" o la dylanosa "Black Eyed Susan", lo único que se le puede reprochar, mínimamente añado, es el haber llevado algunas canciones al canon que se esperaba de ellos, pocas, un par, "Tiny Arrows" por ejemplo, que con el "menos es más" hubiera funcionado mejor, o "Stand Out In the Rain" que con un arreglo con más guitarra crazyhorsiana podría haber convencido en mayor medida, menudencias sin importancia, en todo caso para mí sigue siendo un disco de notable, hay melodías y harmonías celestiales, son The Jayhawks y este es un disco para los fans como nosotros.

Independientemente de la reconciliación musical en el estudio entre Olson y Louris, en la gira la relación entre ellos no cuajó lo esperado, lo que confirmó definitivamente la reciente gira de presentación que hicieron con la excusa de las reediciones de Sounf of Lies, Smile y Rainy, con unos Jayhawks disfrutando bastante con su repertorio, y por otra parte Mark Olson afirmando que nunca más volverá con sus ex-compañeros, ya volcado en sus discos de experimentación armenia. Con todo, habría que cubrir con pétalos de rosa el camino que va desde el backstage del escenario de la sala de la ciudad de turno cada vez que The Jayhawks se decidieran a cruzar los límites de este país, pues quieran o no, son unos clásicos del rock de nuestros tiempos.



Publicado originalmente en valenciano en NO SÉ VIURE SENSE ROCK

The Band - The Last Waltz 1976 (Publicado en 1978)

noviembre 16, 2015 Comentar

...este gran salón de cortinas de terciopelo rojo y luces de palacio de Versalles con banda sonora antigua, nos cuenta la historia de la música popular americana del siglo XX condensada en un concierto.

¿Que podría decir un pobre mortal como yo ante el Olimpo de dioses y semi-dioses que aquí se dan cita? Aprovecho que la iniciativa Elultimovalsfrias2016 va tomando forma para rendirle homenaje a tal magna obra de la cultura contemporánea, además buena excusa para colgar esta portada de letras doradas que quizás algún insensato aún no habrá visitado. Este gran salón de cortinas de terciopelo rojo y luces de palacio de Versalles con banda sonora antigua, nos cuenta la historia de la música popular americana del siglo XX condensada en un concierto, en formato película a cargo de Martin Scorsese, también en este triple vinilo que guardo como si fuera oro puro y me sirve de guía para mi esparcimiento textual sin medida. Marchando unas raciones de pavo calidad primera para este día de acción de gracias, y demos gracias a The Band.

Considero a The Band un grupo perfecto en todos los aspectos, todos sus componentes eran grandes instrumentistas y todos cantaban bien, tal vez deberíamos dar a Robbie Robertson incluso un status algo mayor por las grandes canciones que compuso. Pero sobre todo me parece primordial como consiguieron popularizar de nuevo la tradición americana más que cualquier otra moda sin dejar que el respeto por los orígenes lastrara lo más mínimo un resultado atractivo y actual. Dylan les dió la clave de la canción popular, y ellos se explayaron con todo aquello a su alcance, el folk, el soul, el blues, el R'n'B, el R'n'R, el Country ... cada canción es una celebración de la música en toda su grandeza, creando algo nuevo pero igualmente universal como cada una de sus partes. Razones para tener este concierto en todas sus dimensiones físicas son muchas, pues este directo está más allá de rankins, está por encima incluso de su estatus de concierto al uso de grandes éxitos de la banda que corresponda. Buceando por el Último Vals encontré en su momento las verdades que iba buscando, pues cuando eres joven se tiende a ver todo en riguroso blanco y negro, y aquí la gama de grises es tan amplia como fastuosa y magnífica.

Este repertorio de canciones propias y versiones es capaz de llevar a cuestas a algunos de los artistas más importantes, que no necesariamente conocidos, de la música popular de los 60 y 70, y lo hace sin salirse del guión. Tiene su mérito que más allá de su ostentación en cuanto al montaje y la presentación con cena de gala y decorado lujoso de época, sea aún capaz de convertir el adiós oficial de una banda en una fiesta perfecta para celebrar la música americana en toda su magnitud, focalizándose al sur, el origen en New Orleans, y con ese tira y afloja entre el blues del Mississippi y su diáspora hacia la electricidad, entre el gospel de los campos de algodón y el soul de la ciudad, y por supuesto entre el R'n'B y el rock'n'roll en ese punto en el que no se diferenciaron. Además vistieron a la música negra con las galas que merece a través de artistas que la simbolizan, el estándar "Manished Boy" cantada por Mudy Waters es brutal, quinta-esencia del sonido moderno de los 50 y del paso de 'acústico a eléctrico. Tan importante como la presencia de los padres del soul Mavis y Pops Staples en "The Weight" un canción que ha tenido millones de versiones, algunas muy buenas, capaz de hacer de un buen artista algo más elevado.

También es muy especial el momento de "Caravan" con Van Morrison que deja a las claras que siendo de continentes diferentes, transitan todos en una misma dirección, como anécdota contar que en todo el concierto Dylan sólo salió de su camerino para ver al León de Belfast. Otro gran momento es el protagonizado por Neil Young con el "Helpless" del Déjà Vu, suficiente para entender que con los mecanoscritos del Mar Muerto, o llamadlo Basement Tapes si prefiere, Young encontró la influencia decisiva en su manera de entender la música de raíces, como hecho anecdótico, Shakey iba hasta las cejas de farlopa, con la mandíbula casi fuera de lugar, confesaría Robertson a posteriori que aquella fue la mandanga más cara que nunca había comprado pues en post-producción Scorsese se tuvo que esforzar bastante para disimular los restos que se le quedaron en la nariz, lo que no resta valor a uno de los grandes clímax de la velada, pero que a la vez muestra el ambiente del backstage, y por extensión del mundo del rock de aquellos momentos, digamos en plena decadencia.

Este concierto además traza esta línea musical de ida y vuelta entre yanquis e ingleses, así que no podían faltar dos de los pilares básico del blues de los 60, Paul Butterfield y Eric Clapton, ambos con el universal lenguaje de los doce compases que cruza la línea hacia el rock'n'roll, fenomenales sus intervenciones en "Mistery Train" y "Further On Up the Road" respectivamente. También es evidente que la presencia de un beatle y un stone es simbólica en cuanto al legado de sus bandas más que por su aporte al concierto, colaboraciones que responden más a la oficiosidad, como para dejar constancia de la grandeza e importancia de sus bandas en la historia de la música popular, un golpe de efecto. también me parece especial el momento de "Evangeline" con Rick Danko y Emmylou Harris apareciendo como un ángel, por favor!, es pura mística country.

Pero tan importante o más me parecen los hilos de los que tirar y que este concierto pone al alcance de quien se adentre, artistas no demasiado reconocidos como Dr. John en "Such a night" y junto a Bobby Charles en "Down South in Nueva Orleans", este último totalmente desconocido para el gran público y del que sólo quedó constancia de su existencia en imágenes grabadas en este concierto que encima finalmente quedaron inéditas, maldito hasta el final. Indudable será siempre la rendición hacia Joni Mitchell omnipresente en todo el concierto, pero que en "Coyote" deja patente el hecho de ser una las compositoras más grandes que ha tenido la música y menos reconocidas en comparación, en este concierto aporta su voz marcando su terreno en un mundo de hombres con maestría inestimable. Mención de honor a los arreglos de viento a cargo de Allen Toussaint, un lujo que dió a esta velada la verdad funky y la grandeza del sonido de New Orleans.

La presencia de Neil Diamond es extraña y no cuadra, quizá por su halo de canción melódica comercial, tampoco molesta mucho, venía por imposición de Robertson que además le produjo su disco de ese mismo año, juntos compusieron "Dry Your Eyes", lo que no resta un ápice de interés en el gran puzzle musical que aquí nos plantean The Band. Por supuesto, Dylan tenía que estar, aunque los términos y condiciones exigidas por el artista tensaron hasta el límite su salida a escena, pues el de Duluth no quería que se filmaran sus interpretaciones, ausencia que habría cambiado el mismo concepto de la velada, Bob Dylan temía que su película, a punto de salir, tuviera su mayor competencia en un concierto donde encima él fuera uno de los grandes valores, pues su intervención ocupa casi toda una cara de vinilo, "Forever Young" y "I Shall Be Released" son litugia sagrada.

Una banquete donde amistad y referencias musicales, donde fiesta y gratitud recíproca, se solapan y se palpan en el ambiente, los egos también están presentes, pues el nivel de grandeza por metro cuadrado raya la fantasía, pero es mantenido a raya en todo momento, eso por no hablar de las fuertes tensiones entre Levon Helm y Robbie Robertson hasta antes del concierto, por la enorme presión que suponía el extenso repertorio a saberse al dedillo, y porque mientras el primero pensaba en un nuevo principio, el otro esperaba el descanso deseado y la disolución después de años juntos en la carretera, imposible vivir así. Ambos aquella noche sabían que además de una sola toma y más allá de la fuerte tensión entre ellos, tenían una enorme responsabilidad con un repertorio entre canciones propias y ajenas que ya pertenecía a la música popular, y junto con sus compañeros se dejaron cuerpo y alma en una grabación para la posteridad .

Y en cada cara de vinilo la curva sube y baja proporcionando unas veces el éxtasis teresiano, y otros obrando como el testimonio final de unos años donde la expresión artística y la esencia popular fueron de la mano como nunca antes, este concierto sellaba el final de la época dorada del rock. No se puede tener más clase que The Band en este Día de Acción de Gracias, y muchas gracias habría darles por ser unos artistas de su tiempo que supieron leer esas verdades que no aparecían escritas en titulares en las hojas principales de la época dorada del rock. Un directo que tengo en la vitrina de honor. Imprescindible darse una vuelta de vez en cuando por esta velada. Pónganse si acaso sus mejores galas y escuchen con atención.



Estos formatos, audio y vídeo, tienen un nuevo compañero de viaje imprescindible para mí, se trata de "Imposible vivir así" el libro de Enrique y Miguel López, el precio es irrisorio para todo el placer que os dará su lectura. Imprescindible el libro, disponible en digital en varias plataformas online:
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Y ya de paso aprovecho la ocasión para que os hagáis seguidores si aún no lo sóis de la página de facebook de "Elultimovalsfrias2016" fuente de información de un encuentro imprescindible para el próximo año en conmemoración de este concierto y por extensión de todos los artistas que directa o indirectamente formaron parte de él. Entrad aquí: https://goo.gl/pkxNkK

El Último Vals - Frías 2016

Texto publicado originalmente en valenciano en
NO SÉ VIURE SENSE ROCK

The Velvet Underground - The Velvet Underground (1969)

noviembre 12, 2015 10 Comentarios
Lou Reed, Sterling Morrison, Moe Tucker, Doug Yale

A poco más de cuarenta y cinco años de la edición del disco The Velvet Underground, para mí este disco siempre será "El del sofá". Buen disco para resacas, para momentos de necesaria alienación del presente, o si se prefiere de necesidad de desintoxicación musical, incluso como buena vara para medir la buena música independiente en su vertiente más melodiosa y agradable. Esta obra es considerada la extensión lógica de la cara más amable que la Velvet mostró con Nico tres años antes, también hay quien dice que es el primer disco en solitario de Lou Reed, y más después de que John Cale, la otra mitad del invento, abandonara el barco o fuera Reed quien le largara, algo que nunca me quedó claro, aunque los cronistas hablan de la certeza de la segunda opción.

Si con el Plátano abrieron la caja de Pandora, con White Light/White Heat asustaron definitivamente a los que se quedaron únicamente con el "Sunday Morning", además todo sea dicho, a la Velvet Underground se la ha reivindicado más que escuchado si hablamos de su querencia más vanguardista, que si os digo la verdad nunca me engatusó tanto como este disco o Loaded (el plátano está en el altar, que no quepa duda), que si me poneis a tiro la canción titular, el "Here She Comes Now" y hasta "Lady Godiva's Operation" incluso podría abdicar, pero siempre nos quedará... el del sofá.

Doug Yale entró en juego como una buena pieza de pivote, que su mérito tiene a parte del truño final que nadie debería tener en cuenta, un buen instrumentista o quizás más bien un oportunista que vió la luz y se agarró a un clavo ardiendo. El caso es que dejó momentos realmente memorables, este inicial "Candy Says" que bien podría ser la segunda parte de "Sunday Morning", una canción de las que te mecen con la dulce manera de odiar que tiene Candy, una languiddez mostrada de entrada que será la tónica central, que no principal, de esta Velvet que aunque de sonido más amable, no deja de ser tan memorable como la más vanguardista, canciones como "What's goes on" es de auténtico gozo velvetiano, estribillo coreable y órgano litúrgico que acolcha una guitarra que no tiene que salirse del guión para  lograr esas disonancias propias del mito del nombre que lo firma y todo sin dejar de ser adictiva. "Begining to see the light" rítmico mantra-sónico de pop independiente aún no superado, harmonías pseudo-sixties y un Lou Reed deshinidibo totalmente del tira y afloja con su ex-compañero inmortalizado en una toma insuperable que empuja a la escucha reiterada. También me vuelven loco en gran medida los versos casi recitados de "Some kinda love", aquí ya está el Lou Reed que se desarrollaría una década después entre la mansedumbre y la explosión reprimida, tonada que bebe del mojo sureño del blues y new orleans, relectura r'n'b en tono urbano y muy personal, esta canción me continúa fascinando como el primer día que la escuché y que a mi entender arrastra mucho más que la simple levedad que parece destilar, putoámica.

Pero la madre del cordero, la canción que mayormente considero una de la vida es "Pale Blue Eyes" que merece todos los honores, el único e incomparable canto que aunque con desapego contiene mayor expresividad que la más dramática de las interpretaciones, pandereta-power marcando el pulso de este folk urbano que se desliza suave y agradable, con afecto y cierto grado de nocturnidad, uno de los mejores momentos en la carrera de Lou Reed y de nuevo este fraseo tan imperfecto como misterioso, guitarra que dibuja las estrellas de forma seminal de la "Coney Island Baby" que vendría después. Con "Jesus" este nuevo Lou Reed da el gran paso definitivo no se sabe si adelante o hacia dónde exactamente, pues de las canciones de cuero, sado-maso y drogas pasó hacia el extremo opuesto con esta plegaria pequeña y delicada encomendándose a Jesús, a mi que no me duerman con el "Jesusito de mi vida", a mi que me duerman con la Velvet. Esta Velvet Underground menos tormentosa y más amable tiene el espíritu del disco en la canción "I'm set free", distensión total después de la salida de Cale, momento en que Reed es consciente de que ahora ya sí, es el dueño de su carrera discográfica, y ya con nadie que le haga sombra en ningún aspecto, se respira el optimismo cada verso. "That 's the story of my life" con sólo tres versos repetidos a modo de mantra pop, una de sus gominolas escondidas de su discografía.

Pero cuidado porque hay una canción que metida en el plátano o el white light se hubiera quedado atrás, "The murder mistery" es de cagarse, historia y catarsis sonora, que seamos sinceros, es subceptible de considerarse infumable a excepción del concepto arty y la performance lírica de textos cruzados, y siempre con reverencia incluida. Y si las pasadas experimentaciones ruidistas de Cale marcaron a grupos como Sonic Youth, este disco extiende sus influjos hasta el más contemporáneo Dream-pop, pongamos por caso Mazzy Star, y con canciones como "After hours" muchos grupos de pop-indie, pongamos Belle And Sebastian, encontrarían la piedra roseta con la que desarrollar sus mejores discos, las cosas como son. Que lástima la maternidad de Moe para Loaded, que teniendo en cuenta outtakes como "I'm sticking with you", esta vena entre folkie y kitsch hubiera dado a la Velvet otro registro en el que profundizar. 

El del sofá, el Lou Reed del rock'n'roll de la radio, la bossa-nova de NYC, la chanson de la gran manzana, los mantras eléctricos de Coney Island, el pop de los bajos fondos, el canto modal loureediano. Disco primordial.

The Hanging Stars - Golden Vanity / Floodblund (2015)

noviembre 11, 2015 3 Comentarios
...a medio camino entre el Mississippi y el Mersey, entre el sol abrasador del desierto y los oscuros cielos de Londres.

Desde Londres llegan The Hanging Stars, banda de jóvenes promesas nacida de las cenizas del grupo The See See que se destaparon a principios de año con un single, dos canciones: Golden Vanity y Floodbound, que si bien no dirán nada nuevo a los resabidos del rock, son de momento suficiente argumento para todos aquellos que nos deleitamos con los influjos byrdianos de americana cósmica, de pellote, órganos, harmonías vaporosas y guitarras psicotrópicas, desde una perspectiva más actual como tan bien hacen Beachwood Sparks, y además con su innegable procedencia british filtrándose en su música.

Tal y como cuentan ellos de manera muy poética y entendible, están a medio camino entre el Mississippi y el Mersey, entre el sol abrasador del desierto y los oscuros cielos de Londres. Para más señas, tomaron prestada la letra de su primera canción de una balada de folk tradicional que encontraron en las páginas de una vieja antología de Alan Lomax y que adaptaron en una nueva melodía.

Pues de entrada no son muchos los que a mi entender destilan con tal gracia todo este influjo y amalgama de sabores pretéritos que nunca vienen mal recordar, atentos a su primer disco aún por llegar y con fecha prevista para febrero de 2016... en breve el adelanto del nuevo disco en la Route.

+info: http://www.thehangingstars.com/
bandcamp: https://goo.gl/P8P14N 





It's Raining. Adiós a Allen Toussaint.

noviembre 11, 2015 Comentar

Nos ha pillado por sorpresa, pero poco podría decir que no se haya dicho ya, además que hacer a estas alturas un análisis en profundidad de su obra me parece inapropiado, no es el momento al menos para mi. De la prensa generalista ya podíamos esperar mil y un escritos como dice Calamaro de "wiki wiki", que se lo pregunten a Lou Reed, y además explicar su arte mejor de lo que mi buen amigo Joserra lo explicó en su crónica para la Land de su show en el BBK es imposible (crónica: http://goo.gl/lgpO43).

No puedo alardear de concienzudo conocedor de su obra, a parte de que haya estado bajo su influjo musical al menos indirectamente a través de tantos y tantos artistas como influenció. En mi historia se metió relativamente hace bien poco, siendo sincero y a pesar de que en este mundo digital todo el mundo es experto, no me sabe mal confesar que conozco su música desde que Elvis Costello lo puso en el mapa tras el desastre del Katrina, a través de ese disco me empecé a interesar por su historia y su obra hasta llegar a ese explendido Southern Nights, disco imprescindible, tanto como ese debut en su reedición con extras también imprescindible de 2007 bajo el título What is Succes. Y esos capítulos de Treme que también hicieron su papel, cuanta grandeza tiene la tv cuando quiere!. Quizás no sea un experto, pero tengo la certeza y el sentimiento cogido en la garganta de que alguien muy grande se nos ha ido, y con las botas puestas.

El mundo sigue girando, las noticias vuelan y pasan, lo que ayer fue primordial, hoy se desvanece, menos las canciones que siempre quedan. Sólo eso, mi humilde despedida a Allen Toussaint, descansa en paz, con una de sus últimas interpretaciones de una de mis preferidas de su repertorio, que no sé si representativa o no, lo único que sé es que me emociona, es abrumadora e inalcanzable. Va por usted maestro. It's Raining...


Al habla... Woody Guthrie

noviembre 10, 2015 Comentar

Odio las canciones que te hacen pensar que no sirves para nada. Odio las canciones que te dicen que has nacido para perder. Que no le sirves a nadie. Que no sirves para nada, porque eres muy joven o muy viejo, muy gordo o muy delgado, muy feo o muy ésto o aquello. Canciones que te deprimen o canciones que se ríen de ti por tu mala suerte o tus desgracias. Quiero luchar contra esas canciones hasta el último aliento y la última gota de mi sangre. Quiero cantar y demostrar que éste es tu mundo, aunque te haya golpeado y te haya tumbado docenas de veces. aunque te haya golpeado y arrastrado. Sin importar el color, tamaño ni constitución, quiero cantar canciones que te hagan sentir orgulloso.
Woody Guthrie

Crónica concierto Mad Robot + Césped de Verdad - Loco Club 07/Nov

noviembre 09, 2015 2 Comentarios


La noche del pasado sábado 7 de noviembre tuvo lugar la presentación del disco "I Declare War" de Mad Robot en la sala Loco Club, tal y como se venía anunciando desde hace unas semanas. Noche imprescindible para el rock underground valenciano y con la sala medio llena, o sea, entre medio y aforo completo, cosa a remarcar y de agradecer cuando se trata de un grupo local emergente de estas características.

Para la ocasión el grupo de Mike Grau se hizo acompañar del dúo Césped de Verdad, que inauguraron la noche con una serie de latigazos neuronales a los allí presentes, una propuesta que aunque ruidista en su esencia, desprendió un halo entre simpático y transgresor, a remarcar la actitud de la frontwoman Blanca Pomet, vocalista y batería, acompañada de Alberto Serrano encargado de la guitarra y las voces, que sin los efectos propios de sus grabaciones hicieron que su repertorio se acercase más a una no-wave minimalista que al punk o a los noventas más ruidosos.

A continuación Mad Robot descargaron su colección de hits arrojadizos, sección rítmica contundente, guitarras dobladas y cortantes, y la combinación única del recitado de Mike Grau y la voz melodiosa de Su, formación que completan Carolina Otero (rítmica), Borja Boscá (bajo) y Roberto Timón (batería). Sus grabaciones son buena muestra de la influencia estilística de los grupos que en los 90 hicieron vibrar el rock desde EEUU y consiguieron que la etiqueta "alternativa" fuera más conocida que la década anterior, en la práctica, sin dejar de lado su identidad, se presentaron como una evolución lógica del punk a través de dichas influencias y donde con mayor claridad son los Pixies y Nirvana los máximos aladides de su sonido, no existieron efectismos, sonaron directos y sin concesiones a la grada, estilizados por el empaque contundente y que consigue enganchar a través de un repertorio repleto de canciones con letras abrasivas, giros melódicos y estribillos contagiosos. 


Desgranaron su último disco I Declare War, con auténticos hits dignos de ser más conocidos, "Kill The Mainstream" es una auténtica declaración de intenciones que define a la perfección su espíritu combativo y su consigna de guerra, en directo es un auténtico trallazo para saltar, aunque no es la única, si algo tiene su discurso es que no tiene pelos en la lengua y "Hit Song" es otra de esas  canciones con Mike Grau y Su lanzando sin miramientos sus dardos envenedados hacia la endogámica escena local del autobombo, por supuesto no podía faltar su canción hermana "Death Of Criticism" que reune alguna de las inquietudes, un tanto delicada y aún tabú, que comparto con Mike Grau, hasta que punto muchos de los escribas son independientes o quizás dependen demasiado del negocio que los alimenta, pués en esto de la prensa musical quizás sobran más críticos y faltan más amantes del rock. No podía fallar una de mis preferidas, "Big Cosmic Joke" tiene una melodía portentosa que ya quisieran Weezer, y cuando bajan las revoluciones en tonadas como la más delicada "I Am A Fake" muestran las enormes posibilidades de su música con otro registro diferente a sus disparos habituales. De su anterior disco Blacklisted rescataron algunas tonadas como "A Distant Star" más cercana al punk `77, tampoco podía quedarse en el baúl "A New Tomorrow" y "Say My Name" que condiero uno de sus highlights, con un bajo en primer plano de los que ya no se graban y un riff contagioso. Mad Robot sellaron la velada con el bis de rigor y como la empezaron, por todo lo alto con "I Declare War" y su gran capacidad para hacer canciones redondas y combativas.

En la declaración de guerra y el ataque frontal que exhiben sin pudor, se intuye además de gran valor y arrojo, un gran espíritu de persistencia contra los elementos y los obstáculos que se van presentando a todo aquel que no entra en la rueda de unos pocos, y que por desgracia supone una estigmatización de tácito sobre una banda ahora en plena expansión creativa que, como muchas otras, queda con pocas posibilidades para defender sus canciones en directo, algo primordial para cualquier grupo que se precie. Pero Mike Grau ha elegido el camino tortuoso de la honestidad, actitud infranqueable que lo convierte en uno de los pocos outsiders de la escena local valenciana que llega de manera natural a la misma conclusión que en su momento los Clash, salvando las distancias, en "(White Man) in Hammersmith Palais", quizás de eso trataba el rock en las diferentes formas que ha ido tomando a lo largo de la historia, y quizás necesitemos más sacudidas como éstas, "I Declare War" es una buena llamada a revitalizar el viejo rock'n'roll con actitud a chorro, ese bien tan escaso. Esperemos que lo puedan volver a defender en directo y vosotros que lo veáis. Muy buen directo.

Fotos: Perrín Muchacho Bass

Kurt Vile - B'lieve I'M Goin 'Down (2015)

noviembre 07, 2015 7 Comentarios

...admiro que sea capaz de llevar con pie tan firme su propia dirección artística. Pero esta vez no, no me caben más trajes de emperador en mi armario. Su mejor disco quizás está por venir

Kurt Vile es un conocido mío desde aquel Childish Prodigy cuando todavía muchos no lo conocían, y los que sí dudaban de si su salida de los prometedores War On Drugs había sido una buena decisión. Entonces ya me encandiló con su particular forma de entender la música y donde primordialmente me gustó su capacidad para que el carácter que imprime a las canciones prevalezcan por encima de cualquier etiqueta que se le quiera colgar, pues cuando canta le reconoces fácilmente y sabes que es él.

De entrada este factor lo antepone frente a muchas otras propuestas que flotan sin personalidad y que parecen algo ya escuchado miles de veces. Entonces llega Walkin 'On A Pretty Daze y comienza a escucharse su nombre a un nivel más amplio, disco con el que no conecté del todo a excepción de su canción titular que me parece de las mejores de ese año, pero el resto no es que me pareció malo, pero no está a la altura, me continuaba quedando con el Childish y el EP Square Shells que me dejaron en su momento con mejor sabor de boca. (reseña de mi otro blog NSVSRock: http://goo.gl/BMexH4).

Entonces llega este año B'lieve I'M Goin' Down y lo vuelvo a intentar, esta vez prescinde de unos Violators que dieron a su música ese halo underground que tanto les mola a los criticos de relumbrón y que tantas puertas le ha abierto, parece ser que con la intención de sonar más cantautor y más cercano a los sonidos de raíz americana, y lo consigue sin perder su personalidad que ya es un mérito, el chaval es pretencioso pero la jugada cuando le sale es redonda, esto lo digo porque lo considero un gran artista, pero no acaban de cuajarme sus discos, lo veo un artista de canciones.

"Pretty Pimpin" es un temazo, lleva el ritmo cowboy a unos niveles sónicos modernistas que molan mucho y no desentonan, hasta aquí llego, "Dust Bunnies" otro, tiene el fraseo de Lou Reed, una de las cosas que siempre me llamaron la atención ya hace años, aquí con una tonada que tiene su gancho, también está presente Dylan en "I'm an Outlaw", pero otros como "Stand Inside" o "Wild Imagination" por decir dos, pues no, este año hay cantautores suficientes que para mí superan esa intención más íntima o de singer-songwritter de este disco, que si bien lo hace de manera muy personal, se echa de menos en todo el disco un poco más de alma.

Una muy buena canción tiene su mérito y no es nada fácil encontrarlas como pretendemos muchas veces, me refiero a esas canciones que diferencian a los artistas de verdad de los demás, y Kurt Vile lo es, este chaval tiene unas cuantas en este disco que son muy buenas. Mi impresión no es totalmente mala a la hora de valorar este B'lieve I'M Goin' Down, aunque estamos acostumbrados a enaltecer discos de manera demasiado fácil como si se cogieran de los árboles, ahora no es el caso, seguiré intentándolo gracias a las que si me gustan, y todo sea dicho, viendo las notas tan altas que está sacando en todas partes, no sea cosa que otro año el sr.Vile vuelva a quedarse en la cuneta de mis favoritos. Lo que digo, un artista de canciones, no de discos, pero sobre todo admiro que sea capaz de llevar con pie tan firme su propia dirección artística. Pero esta vez no, no me caben más trajes de emperador en mi armario. Su mejor disco quizás está por venir, seguro.

Entrevista a Oscar Avendaño. Nuevo disco: Burro

noviembre 05, 2015 3 Comentarios

...La época durante la cual escribí estas canciones fue, personalmente, muy dura...

Burro es el nuevo disco de Oscar Avendaño & Reposado, su tercer disco para ser exactos, que recomiendo desde el minuto cero y del que estoy seguro que se hablará en los próximos meses. Para la ocasión se ha marchado a los estudios GuitarTown de Hendrik Röver, cosa que confiere al disco un sonido orgánico que hará las delicias de los amantes del mejor rock, que ojo, sus canciones ya eran buenas en Demasiado oro, uno de mis preferidos del año pasado, aunque esta colección de canciones dan un gran paso hacia adelante. He podido charlar con él sobre este nuevo disco y algunos asuntos más, y este es el resultado:

OTR. Buenos días Oscar, un placer poder hablar un rato contigo.

Lo mismo te digo.

OTR. Tienes nuevo disco y se llama “Burro”. ¿Buscas devolverle el prestigio a uno de los seres vivos más inteligentes de la Tierra y más denostado por el hombre?. Cuéntame un poco que hay detrás de esta idea. 

Pues el título lo sugirió la diseñadora, Tamara Roca, al ver una foto que me hice con un borrico en Cantabria durante las sesiones de grabación. Al principio nos descolocó un poco, pero inmediatamente empezamos a ver que era un título acojonante que entronca con un montón de cosas que tienen que ver con el disco, como el campo y el monte. Además, cualquier otra acepción de la palabra sigue molando. Hasta trae ecos de los Flying Burrito Brothers, ¿no?

OTR. De primeras lo que llama la atención es el sonido y el sello de Hendrik Röver, digamos que suena más orgánico, las guitarras crugen y la sección rítmica es contundente cuando debe. Además su impronta está muy presente, dobro, pedal, slide, piano, 12 cuerdas… ¿Cómo surgió la colaboración?

Pues más o menos de casualidad... The Soul Jacket estaban grabando allí su segundo largo (el muy recomendable "Black Cotton Limited") y Mauro, que es el batería de ambas bandas, sugirió que nos fuesemos hasta allí en cuanto ellos terminasen y empalmásemos ambas grabaciones. Que Hendrik se involucrase tanto como lo hizo ya fue cosa suya... supongo que le gustaron las canciones. Lo que está claro es que para nosotros fue un lujazo contarlo como cuarto miembro de la banda. Por otra parte, ahora mismo se me ocurren muy poquitos estudios en el estado en el que se pueda sacar semejante sonidazo... Guitar Town es el sitio, definitivamente.

OTR. Puede que se resalte mayormente el poso americano que destilan tus canciones, Tony Joe White, Creedence… pero también veo bastante de lo que hacía Rod Stewart al principio, e incluso hasta toques más duros como “El día de los muertos”, otros más vaporosos o progresivos como “Los olvidados”, ¿más que rock americano podríamos hablar de rock de guitarras de corte clásico setentero?

¿Sabes a qué me recuerda a mi "El día de los muertos"? cuando la hice pensaba en algo tipo John Lee Hooker, pero al escuchar el resultado me da un punto Beasts of Bourbon (salvando las distancias). Respondiendo a tu pregunta, supongo que tienes toda la razón en lo de rock de corte clásico. En realidad, y aunque escucho mucha otra música, eso es lo que más me ha marcado y, creo, lo que mejor me sale.

OTR. ¿Hay vida más allá de los 70 en tus influencias?
 
Hay mucha. Me flipa el punk rock "de los noventa", metiendo en este saco a los Hard-ons, Devil Dogs, Lazy Cowgirls... o el power pop vía Redd Kross y similares... Durante una época larga tuve un cuelgue monumental con Wilco, por citar algo mucho más reciente... y supongo que te podría decir un millón de bandas de los 80, 90 y posteriores, pero estaría haciendo trampa porque Long Ryders, Green on Red, Sadies y tantos otros son bandas de los 70 que nacieron después de tiempo. En todo caso, habría que distinguir entre la música que hago y la que me gusta (esta es muchísimo más amplia).

OTR. Otra percepción personal sobre estas nuevas canciones además del sonido y la producción es que la ironía socarrona de tu anterior disco “Demasiado oro”, en “Burro” se torna en cierta manera más seria, más agria que dulce.

Bueno, supongo que algo de eso hay. La época durante la cual escribí estas canciones fue, personalmente, muy dura. Es imposible que eso no se refleje, claro.

OTR. Tus letras siempre muestran por lo general imágenes muy concretas del día a día, en tu anterior disco ya existía ese sentimiento de persistencia y de lucha contra los elementos, en “Burro” pones más énfasis, en parte con un tono de celebración por haber llegado hasta aquí y en parte como una lucha que se hace larga. Preguntarte si es duro la vida de un músico creo que no hace ni falta, pero ¿has pensado en algún momento tirar la toalla?

Pienso en eso cada día, creo. A veces me planteo eso de "pero con lo cómodo y tranquilito que estarías sin comerte el tarro y sin hacer nada"... pero luego resulta que no puedo evitar seguir. Me consta que no solo nos pasa a los músicos, si no que los que os dedicais a escribir sobre esto tambien sentís que estáis predicando en el desierto y os preguntais si realmente hay alguien ahí fuera... pero ahí seguimos, yo haciendo canciones y tú hablando de ellas... será que nos compensa, ¿no?

OTR. “Lemmings (La gran decepción)” más que una canción protesta parece una crónica desperanzada de la actualidad, incluso podría cogerse como un estudio de la sociedad, puede que nos hayamos dejado llevar demasiado. ¿crees que ya no tenemos la capacidad suficiente para reaccionar como sociedad? ¿está todo perdido?

Quieres que te diga lo que de verdad creo (y ojalá me equivoque)? totalmente. Está todo, absolutamente todo, perdido. Creo que lo mejor que podemos hacer es aguantar en nuestras islitas individuales, pero como sociedad bien podrían barrernos del mapa que no se perdería absolutamente nada. Pero recalco lo de las "islitas individuales", porque del mismo modo que creo que la sociedad es desastrosa, también creo que las personas no tienen por qué serlo. La gran putada es tener que vivir dentro de esa sociedad de la que hablamos.

OTR. El desamor es otro de tus temas preferidos, me gusta mucho como te reafirmas en tu ausencia a su lado en “Fotos de Cuenca”, o como el amor a veces te da esquinazo en “Por el sol”, el más vale acompañado que solo de “Donde estás Carmella Bing”… ¿son tus vivencias el alimento principal de tus canciones? O lo dejamos en inspiración.

Mmmmmm... Mis vivencias sí son el alimento principal de mis canciones, pero yo no considero que esas canciones hablen realmente de desamor. Hablan de añoranza, pero no explícitamente de amor. Creo que tanto "Por el Sol" como "Fotos de Cuenca" hablan de mucha gente a la que echo de menos, pero no son necesariamente amoríos (aunque a veces también). Al margen, el caso de "Carmella Bing" es algo que viví de cerca, pero que no me sucedió a mi... aunque me consta que a la persona en cuestión sí le merecía la pena, jajajja.

OTR. Además de la música, las referencias cinematográficas de "Gary Cooper Blues" denotan un amor confeso al cine clásico, ¿podría decirse que es tu otra pasión?

Sí, claro. Mis padres tenían un bar enfrente de un cine de barrio, en el que proyectaban "programa doble en sesión continua" (esto es, dos pelis que se pasaban durante toda la tarde sin parar). De niño, cuando no sabían qué hacer conmigo, me metían en el cine con un bocadillo y un plátano. Y ahí, entre los 4 y los 12 años, vi millones de películas sin ningún tipo de filtro: desde "Solo ante el peligro" o "El puente sobre el río Kway" a todo el cine de los Marx, "La guerra de las galaxias" o miles de películas de kung-fu (o como a mi me gustaba llamarlas por aquel entonces "pelis de chinos por el aire").

OTR. Desde la costa levantina percibo el noroeste como una escena bulliciosa y con grandes artistas, en contraposición a la escena underground totalmente desconocida que mostraba el disco homenaje a Los Contentos que coordinaste, ¿la escena rock se ha revitalizado y ha sobrevivido? ¿es real esa percepción? ¿existe una escena clara en Vigo?

Existe, y está de la hostia. Si lo piensas, lo que está sucediendo con un grupo como The Soul Jacket, que no paran de crecer... eso era impensable hace diez años. Lo cual quiere decir que ahora a la gente le vuelve a gustar el r'n'roll y eso siempre es motivo de celebración. Pero al margen del público, si simplemente hablamos de bandas, en Vigo siempre ha sucedido que hay millones de bandas, de todo tipo de género y pelaje, que tienen un nivel impresionante. Otra cosa muy distinta es que pillen el momento adecuado, que eso ya es más complejo.

OTR. Ya van tres discos en un claro ascenso o avance si prefieres, además tienes buenos padrinos que están hablando maravillas del disco, Josele Santiago, el propio Hendrik y Julián Hernández. ¿Podría decirse que ya hay una carrera en solitario de Oscar Avendaño a considerar más allá y/ó además de tu aporte a Siniestro Total?.

Si consideramos que la carrera es de sacos, sí. Está claro que tal carrera existe, pero cuesta un riñón moverla, porque todos estamos felízmente liados con otros proyectos. Lo que está claro es que hay que intentarlo, por supuesto.

OTR. Y un tema actual, las redes sociales. Sin duda el mundo parece pegado a una pantalla, tiene sus cosas buenas y sus cosas malas, dime cuales son tus impresiones. ¿Que tiene de malo?

La hipocresía. No hay nada real en las redes sociales. Todo se reduce a ver quién de nosotros es el más ocurrente y, a la vez, a pasar el resto del tiempo comiendole la polla a los demás. 

OTR. ¿Y de bueno?

Por otro lado, lo mejor es la capacidad que te da para encontrar gente con gustos o intereses afines, aprender de los demás, realimentarse... he hecho auténticas amistades por estas vías, y funcionan. Un ejemplo: de las tres personas que han estado involucradas en el videoclip de "Por el sol", a dos las conocí vía facebook...

OTR. Ya sé que hay mucho y bueno donde elegir, pero te pido que te mojes un poco más y me digas dos o tres artistas que para ti hayan significado y signifiquen todo, en tu vida y en tus influencias.
Joer... a ver:

Dylan, desde luego. Cuando era pequeño y no escuchaba música me alucinaba su imagen en la portada del "Desire", y finalmente acabé siendo super fan. Ronnie Lane, porque es uno de esos grandes "unsung heros"... con una carrera en la que cada paso que daba lo hundía aún más... y haciendo siempre lo que le salía de los cojones, le gustase a la gente o no (era obvio que a la gente no le gustaba mucho en aquel momento de glitter y excesos). Y creo que tengo que citar a Neil Young. Otro culo de mal asiento que hace siempre lo que quiere cuando quiere.

Como "accesit" tengo que citar a Los Enemigos. Josele Santiago fue el primer letrista con el que entendí que molaba cantar en castellano y contar cosas. Luego vinieron muchos otros, claro... pero los primeros fueron ellos.

OTR. Sólo por curiosidad melómana ¿Por qué canción te colgaste una guitarra por primera vez?

Sinceramente, no lo recuerdo. Pero creo que la primera que me enseñaron a tocar era de la Creedence, el "Have you ever seen the rain" (o igual era el "Clavelitos" y ya no quiero recordarlo, jajajajaja).

OTR. Donde y cuando se presentará “Burro”. ¿Lo veremos en otras ciudades más al sur?

Pues no lo sé. Sinceramente, no lo sé. Sí que haremos un par de presentaciones en Galicia, en las que además contaremos con Hendrik como músico (en serio, bendito el día que topamos con él... y te lo dice un ateo), pero después no sé qué sucederá. Yo estoy muy liado con Siniestro, Mauro con The Soul Jacket (y esto es un problema que hay que celebrar, más que lamentar) y Andrés no para de hacer cosas y no se está quieto, así que es dificil pillarlo. Lo que si te puedo decir es que tengo muchas ganas e intentaré hacer cosas por todos los medios, pero el cuándo, el cómo y el dónde son muy complicados ahora mismo.

OTR. Pues muchas gracias Oscar, desde luego el disco es para entusiasmarse, suena muy muy bien y hay muy buenas canciones. Espero que todo te vaya bien, que sobretodo te salgan muchos bolos y que vendas todos los discos. Un placer hablar contigo.

De eso se trata, sí... yo también lo espero. En todo caso, el placer es mío.
Salud!


Podéis escuchar el disco en su bandcamp, aunque os acosejo que no perdáis la oportunidad de comprar el disco, a estas canciones el "play it loud" les sienta de lujo.
https://losprofesionales.bandcamp.com/album/burro

"My songs are like a day in the desert". Mark Olson - Interview

noviembre 05, 2015 Comentar


Mark Olson is touring in Spain. Because of that, I interviewed Mark and it originally appeared in the spanish web Exile SH Magazine. Now I leave the interview here as it was for those who don't understand spanish.

OTR. Hello Mark, good night, it's a pleasure for us to talk to you, we admire you very much and we already want to see you live in Spain.

Thank you it is a very nice time to be in Spain. Everything seems new and the rain has washed away all the pollution and the streets are clean and ready for a long race. I personally thank you our new album is artistic not economic in nature it is poem not a loudness coming out of a pro tool computer. 

OTR. Your songbook is very wide, you’ve got behind a large repertoire full of great songs. I suppose your latest album will be the center on this tour, but from your previous projects, which are the past songs that better adapted to the essence of the new album on stage?

I will tell you directly Pray For Me and Blue also Black eyed Susan, I change the songs to make them better because there was problems with the low bass parts and now I have made a nice remedy. A beautiful Doctor of song has been entered the room. Also I have Clifton Bridge and the Creekdipper Songs Mr Parker and few more!

OTR. It is clear that you have soaked the eastern folk, but not in the way of seventies music, it doesn't really sound psychedelic, it's seems that your songs respects more that traditions, and sounds integrated but natural on your own style, at what point did you open your music to these new sounds? Have you known artists who have exercised real influence on this album (names)?

You are very right and observant. We have learned and studied only Eastern ARMENIAN music. We went to a school in Vanadzor Armenia and studied there and learned about the music of Sayat Nova and Komitas. There is a casino of problems with American music journalists that say and think we play Indian music. They are confused.. We respect and admire ARMENIAN music!

OTR. Ingunn Ringvold is very present on the songs, she plays the Qanon, the Djembe and Farfisa, obviously the disc leans on it heavily, and she did very well, how was the experience?, it sounds very natural, has been a process set from the beginning? or arrangements came naturally?

We worked very long hours to learn the Qanon - Drum duo...I t was during the Olympics in Armenia and we began to play in this new way - it is very exciting to leave the past behind and start a new life without fear and hope for peaceful days and true friendship. Ingunn and I dreamed about the most beautiful sounding the world has ever heard and it is the Qanon! 

OTR. I draw much attention in addition to that gentle aura and the spirit of freedom that transpire these songs, reviews talk about Graham Nash and Joni Mitchell, yes, there’s a musical equidistance, but that outsider feeling I think that it connects very well with the rural feel of Ronnie Lane’s folk journey in the english countryside in Fishpool farm, in addition some harmonies like in "All These Games" remind me to the early mistic records of Richard & Linda Thompson, have you some favourite singer-songwritter in that way?

I think Joni is the best singer songwriter of all times. She was universal and unique and very strong in every way. It is unusual to be strong on every song for your entire life. I think she is the only one and it is a wonder to behold. I love to sing harmony so I think of the Byrds - The Watersons - Fairport and many other groups for crazy 60s music I like the band Love.

OTR. You come from American roots music and a lot of your discs with Creekdippers and beyond were considered lost songs of Gram Parsons, have you noticed from the EEUU root’s music scene a look of misgiving in this sound opening to eastern sounds?

No I think there is confusion because no one knows why? It is because Ingunn my wife had to wait for a visa for 5 years to come to America to live and perform we waited from Aug 17 2010 until May 13 2015. During this time we spent time in Armenia and South Africa to be together and learned many new things and ideas.

OTR. Your music has a positive feeling, especially Good-bye Lizelle seems to reflect a cozy mood with friendly melodies and music, like "Heaven's Shelter", but there’s a message in some songs that they seems to alert of a world going wrong, like “Which World Is Ours” and “Jesse in an Old World”, you’ve been on the road longer and met people of different countries and traditions, do you think there's a real desire to change things?

Any change in the world now will have to be miraculous. People love money and greed more than they love anything else. I started a band when I was a young man and wrote all the lyrics themes and a major majority of the music on the 5 albums I was a part of. I wrote the songs about poetic feelings of love for my family. Now people that don't even know what the songs about and had nothing to do do with the creative aspect of the band I started make lots of money due to my work. This is a textbook example of hate and greed in the modern lawyer loving world. 

OTR. I like a lot the story of Emil Zatopek in “Long Distance Runner”. I think this story is about people who prefer honesty in his life more than the prestige of a career or/and a comfortable life, maybe the world would be a better place with more people like Zatopek. I think there’s an intention to send this inspiration message to the audience, but do you think that actual music scene could show more empathy for relevant affairs like ecology, wars, global hunger, economy, polution...? it's needed more brave attitude...

I think the Story of Emil Zatopek is very inspirational. I thank you for bringing it up. Still there are people in the world who are searching for peace. No Comment on the music business in this regards. It is foolish to think of the music business in humane terms.

OTR. I love "Cherry Thieves", regardless of the story about your stolen crop, I think that it’s a beautiful lullaby, many of your songs have the power to hold you, maybe after all, always we need beyond childhood someone who sing us that everything will go well, sonically the disc sounds familiar, hugs, do you really think that everything will go well in this world?

Oh no it is a situation where everyone is fighting a retreat from the Mountain top. I write short stories in my songs and I have lived in the desert for 20 years now. The day in the desert is for the most part terrible, really hot and frightening then all of a sudden when the sun goes away it becomes wonderful and you say to yourself " I made it through another day in the desert and I feel strong because I survived in my spirit, my mind and heart" you see this is how my songs are. When I was a boy My Father committed suicide and my Mother found him and drank too much alcohol to forget. I cooked for my sisters and wrote about that and many other things about my family in Ann Jane and all the other Jayhawk songs I wrote. The day is really long and hot then when you work so hard and work so much and watch it go up in the smoke of false friendship. But then the sun starts to go down and lots of colors change and a beautiful person named Ingunn comes into my life and she sings the most beautiful harmonies and plays the Armenian Qanon so I say we are strong and we made it and now we live! My songs are like a day in the desert, I am informed by my surroundings. Minnesota was and is a desert of an unnatural warped disturbing kind for me brought about by greedy selfish people.

OTR. There is one issue that I like to discuss with the artists with whom I talk. Social networks, it seems that now the world is glued to a screen, what do you think?

I try to tell people we are in town and check out our tour schedule. I think some people are and will become Facebook stars but I am interested in vinyl albums poems and melody not all of a sudden to like something so much when I turn 50. Ingunn opened a Facebook page for our 79 year old Armenian friend and I told him it is like chess. People play Facebook like they used to play chess. Just a game but there is money and prestige at stake too if you choose to pursue that angle.

OTR. Finally, will this eastern musical influences continue in your music? or will remain as the testimony of the european and eastern journey contained in Good-bye Lizelle? in any case we still love your music ;)

We are developing our Qanon drum duo sound along with other soundscapes the idea is to present a very interesting concert full of beautiful twists and turns now and in the future!

OTR. Thank you very much. We are happy to have talked to you, you are a musical reference for us and we wish you good luck with this tour. Good-bye Lizelle is abeautiful album. Thanks a lot.

Thanks Chals this has been a very good interview - I am glad you wrote to us!


"Odio las canciones que te hacen pensar que no sirves para nada. Odio las canciones que te dicen que has nacido para perder. Que no le sirves a nadie. Que no sirves para nada, porque eres muy joven o muy viejo, muy gordo o muy delgado, muy feo o muy ésto o aquello. Canciones que te deprimen o canciones que se ríen de ti por tu mala suerte o tus desgracias. Quiero luchar contra esas canciones hasta el último aliento y la última gota de mi sangre. Quiero cantar y demostrar que éste es tu mundo, aunque te haya golpeado y te haya tumbado docenas de veces. aunque te haya golpeado y arrastrado. Sin importar el color, tamaño ni constitución, quiero cantar canciones que te hagan sentir orgulloso."
Woody Guthrie