The Go! Freaks - This Is Cabanyal Soul (2015)

mayo 27, 2015 2 Comentarios

...Un auténtico disparo de energía donde la lúdica acción de menear los pies va acompañada de unas letras que respiran los tiempos de cambio...

The Go! Freaks son de Valencia y vienen con la determinación de hacernos mover los pies al ritmo de la revolución con su primer larga duración This Is Cabanyal Soul, editado el pasado abril, dando continuación a las demos Recording Sessions de 2012 y el fabuloso 7" titulado Monqui! del 2011.

This Is Cabanyal Soul juega el papel de estreno de gala, así lo indica la recuperación de algunos de los temas de sus anteriores grabaciones ahora mejor producidas y arregladas. Y vale, ya sé que el Cabanyal no es Harlem, ni el Bronx, pero bien sabéis que el barrio se ha convertido en los últimos tiempos en un símbolo de la lucha de clases, del pequeño frente al grande, y en este aspecto a parte del espíritu de James Brown, este disco conecta muy bien con este sentimiento de resistencia y reafirmación vía el soul y el funk de los 70, Curtis Mayfield, Sly Stone, Parliament y George Clinton.

El disco empieza con Asteroids que recuperan de su 7", que si la canción ya era buena, en la actual grabación se denota el tiempo transcurrido y la gran mejora instrumental y vocal, te engancha irremisiblemente, su estribillo "oh let it go my people" muestra una actitud que será la tónica del disco, también presente en Common Hero tan Curtis, esas congas, y Smells Like Change llamando a levantar la cabeza y no dejarse pisar, se huele el cambio, ya está aquí. Sookie Sookie es grandiosa, el fraseo vocal es de auténtico lujo y los vientos de My People tienen un toque de música latina aunque no restan en ningún momento su intensidad, una letra que lamenta todo el sufrimiento ocasionado a la gente del barrio "I can't see the pain on their hearts", además con una guitarra que no se limita al shuffle boogie, está realmente inspirada.

Engines On es un auténtico trallazo de r&b con una parte de guitarra eléctrica grandiosa, uno de los highlights del disco con una letra sugerente que aúlla sus "rhythm in the veins". Got To Move es recuperada de su Recording Sessions, mejorada para sudar y saltar, pegajosa como pocas, puro groove. Streets Now es el sonido de las calles, me encanta el giro de "everything could happen when people is in the streets", atención a la guitarra y los coros gospel, un gran momento del disco. We Are Coming deja la puerta abierta a modo de epílogo donde la letra es reducida al título y los consiguientes "come on" y "wake up" son lanzados en un auténtico trance de soul y funk.

Estos muchachos llevan muy bien interiorizadas las máximas del género, pero sobre todo además de una instrumentación cuidada, la interpretación vocal a cargo de Amadeo III es sensual, apasionada y muy cool, la banda transpira actitud, fuerza que ya se denota en esta grabación, pero tienes que verlos en acción en directo (bajo un vídeo) para entender que no estamos ante el enésimo postureo revival. Un sonido que más que venir de la música negra, es negra, rhythm'n'blues a porrillo, soul cargado de funk, unos vientos que son puro Stax, Javi Pardos al trombón, Paco Hickowski a la trompeta y Richard en el Saxo, bajo omnipresente de Titín Felpudo, que junto con David Robles forman una sección rítmica con mucho groove, y Jordi Soriano muy inspirado aportando el shuffle boogie necesario con algunos solos de guitarra portentosos, tampoco pueden faltar unos coros femeninos imprescindibles en estas coordenadas sonoras y que aquí a veces son puro gospel y otras hacen su papel de las Raelettes.

Guau! que pasada. This Is Cabanyal Soul es un auténtico disparo de energía donde la lúdica acción de menear los pies va acompañada de unas letras que respiran los tiempos de cambio y señalan la puerta de salida a veinte años de saqueo sistemático, también el principio de una nueva época donde el poder de la gente dicta los nuevos designios del futuro, y donde se tendrá que volver a la calle a tocarse unos a otros y a bailar, a gritar si es preciso. Y quien mejor que el Barrio del Cabanyal como símbolo de la persistencia y la resistencia de los más desfavorecidos frente al cemento impuesto por las autoridades locales. ¿Se puede protestar y molar como el que más? pues sí, aquí tenéis el Soul del Cabanyal de los valencianos The Go! Freaks que han venido para hacerte mover los pies con ritmo, funk y mucha actitud. Muy grandes, escuchad esto:




De momento no tienen edición física del disco, aunque esa portada y ese título lo merece, ya os aviaré si llega. De momento podéis escuchar el disco en su bandcamp. Os aseguro que no os arrepentiréis:

Análisis elecciones 2015: Here comes the sun!

mayo 26, 2015 3 Comentarios

Levantarse por la mañana con la sensación de encontrarme en un lugar mejor no tiene precio, mi alegría es indescriptible, estoy contento. Han sido muchos años, veinte para ser exactos, con un tumor enquistado que empezó como una molestia y terminó causando mucho dolor. Por fin se abre paso un poco de luz, al fin después de tanto tiempo padeciendo los abusos y el expolio continuo de nuestra cultura y de nuestro erario público, ha sucedido lo que tenía que suceder, el sol empieza a asomar por el horizonte.

Aunque no es una victoria definitiva, esto es sólo una batalla más ganada con mucho trabajo. Y además aún hay mucha gente que no es que se haya abstenido, o haya votado en blanco, es mucha gente que ha vuelto a dar su apoyo a un partido con media plantilla imputada por casos de corrupción, ha dado su apoyo al acoso del Barrio del Cabanyal, y a quienes han malgastado millones de nuestra sanidad, educación y cultura en obras arquitectónicas de dimensiones faraónicas que a nadie le hacían falta, eso por no hablar de como los valencianos hemos subvencionado eventos de la yet-set como la Copa América, la Fórmula 1 o la Fashion Week, hablo de Valencia, of course. Por tanto queda mucho trabajo que hacer de cara a las próximas elecciones generales. 

A remarcar además de la subida fulgurante de partidos nuevos como Podemos o C's, es la presencia de mujeres fuertes e inteligentes que destilan carisma y vienen cargadas de grandes ideas, Ada Colau, Manuela Carmena, Mònica Oltra... las admiro, me emocionan cuando hablan como si escuchara cantar la mejor de las canciones, hacen ilusionarse y soñar en que las cosas pueden ser diferentes, y sobretodo me reafirma en mi pensamiento de que todos aquellos que dicen que votar no sirve para nada, que no va con ellos, que están equivocados. Aprovecho para invitarles a que participen el diciembre que viene, y no sólo en las urnas, hay muchas maneras de no quedarse en casa, y lo hago sin sugerir ningún color, ni ningunas siglas, porque creo que en la diversidad puede estar la mejor manera de hacer que este sea un lugar mejor para todos y no sólo para una mayoría absoluta. 

No soy ningún experto en política, ni pretendo serlo, pero si me pidieran un titular que resumiera estas elecciones ahora mismo en mi cabeza suena este Here Comes The Sun. Estoy contento y feliz.


Especial elecciones: Brother is Gone de Ry Cooder

mayo 24, 2015 1 Comentario

Ry Cooder - Brother is Gone (2012)

You will be exalted
in the evil works of men
High powered, rolling 
over land and sea
But some dark night 
I’ll be coming round again
And take one of you down 
back to Hell with me

Quien sabe que nos deparará el día de hoy. Con imputados por corrupción, financiación ilegal, total incumplimiento de su programa electoral, subidas de impuestos, subidas de IVA, rescate de la banca, saqueo sistemático tanto de la cultura como del erario público, venta de la sanidad pública a bajo precio, adjudicaciones a amigos y familiares, deshaucios brutales a gente humilde... etc, entonces, después de un día de reflexión con estas cuestiones en la cabeza hay cierta pregunta que continúa fustigándome, ¿Como puede ser que todavía saquen tantos votos?. 

Y me da por pensar que el margen que separa la inopia de la complicidad cada vez se estrecha más, ya no hay excusa, si vuelven a gobernarnos los mismos podría considerarse connivencia total, suficiente para perder las esperanzas en las gentes que habitan este territorio expoliado hasta límites insondables. Al menos hoy pongo mi granito de arena por si alguien no lo tiene claro todavía y recupero para la Route Brother Is Gone, una canción que me gusta mucho de Ry Cooder de su disco Election Special, y que no sé ya ni las veces que la he compartido por aquí, canción del karma, pués todos sabemos que un día tendrán que pagar con su alma por todo lo que estan haciendo, por supuesto, pero mientras tanto nos van jodiendo día a día tanto como pueden.

Que el espíritu de Woody Guthrie nos pille confesados.



We met old Satan down where the two roads crossed
Just me and brother Dave by my side
It was in the prairie town of Wichita
We shook hands with Satan on a deal that night

You will be exalted in the evil works of men
High powered, rolling over land and sea
But some dark night I’ll be coming round again
And take one of you down back to Hell with me

Oil spills and cancer towns was our steppin’ stones
Immigration bills and foreclosure homes
States’ rights we proclaimed like in the good old Jim Crow days
Our highest aim was to take your vote away

Brother is gone
Brother is gone
Brother is gone
Little brother is gone
Brother is gone
When I woke up this morning, he was gone

His bed was made
And there’s his Bible, too
I wonder did he have time
To put on his travelin’ shoes

Brother is gone
Brother is gone
Little brother is gone
Brother is gone
He’s gone
Brother is gone

Old Satan, he’s a man of his word
Oh, brother is gone.

Lanuca - Gran Mandíbula (2015)

mayo 21, 2015 2 Comentarios

Está dedicado a todos los que sondean el abismo al menos dos veces al día. Ángela Bonet


Lanuca es el proyecto musical de Ángela Bonet con la ayuda de Manolo Bertrán (Doctor Divago) y Dani Cardona. Gran Mandíbula es su segundo disco.

Las maquetas de 2012 ya dejaban entrever que el universo particular de la valenciana Ángela Bonet transita por parajes interiores de hondo calado, su primer largo Pómulo ya apostaba por el minimalismo sonoro en un buen trabajo poco conocido y muy interesante. Con Gran Mandíbula continúa por el mismo camino y se consolida tanto a nivel lírico, con su estilo de imágenes oníricas, como en el musical, con los aportes de los habituales Manolo Bertrán y Dani Cardona, que amplían la paleta de colores para dar al discurso de Lanuca el cojín sonoro perfecto para sus melodías tan dulces, como inquietantes. 

La música de Lanuca es difícil de clasificar. Me vienen a la cabeza Isobell Cambell (Milkwhite Sheets) y CocoRosie (Noah's Ark), pues Gran Mandíbula ofrece una calidad que guarda algunos puntos comunes en su folk y en su pop que nada tiene que envidiar a discos alabados de ambas. Quizás lo particular de sus formas tenga que ver con una denominación de origen que no oculta y homenajéa huyendo de los parámetros establecidos, Bruno Lomas en su primer disco, Marisol en el presente, ofreciendo otra visión posible, diferente y atemporal, y al mismo tiempo actualizando el pop nacional de visos indies de las últimas dos décadas, se me ocurren La Buena Vida, Pauliene en la Playa y Marina Gallardo como antecedentes que han transitado por caminos similares. Aunque más que como una evolución del pop independiente de este país, veo a Lanuca como un islote fuera de cualquier escena posible, su estilo es único y muy personal.

A destacar además de las propias canciones y la fragilidad vocal y etérea de Ángela Bonet, el aporte de Manolo Bertrán que encuentra los paisajes perfectos para desarrollar unas líneas de guitarra que se contráen o se expanden dependiendo del momento, cortantes y distorsionadas, unas veces experimentales y otras de un rock'n'roll vintage que roza el garage más melódico, y todo sin destacar sobre las propias canciones, haciéndolas eso sí, más grandes y expansivas.


Abre Gran Mandíbula, con melodía inquietante y recitado spoken word, se balancéa en el límite del deshazón y lo apacible. Flor de loto nos introduce con unos coros easylistening sixties, y unos versos que esbozan imágenes que nos llevan a una posible nueva emoción indescriptible en su concreción, magistral la guitarra de Bertrán y el cambio de ritmo. Grieta carmín reune las grandes bazas de Lanuca, una guitarra magistral y versátil, y un giro melódico inesperado. Mientras tiene espíritu experimental en sus idas y venidas eléctricas y saltos al vacío existenciales, además de contener otro de los giros melódicos más prominentes del disco. La breve instrumental Valentina y Johanna teje un motivo sencillo con entrelazado de arpegiados de bella factura y sirve de interludio hacia la recta final, Arde es una de las grandes canciones del disco, la lírica se va tensando y estalla en un flamenco eléctrico que ni por un segundo te hace plantear la extrañeza ante tamaña fusión musical, la intensidad fluye natural. Cierra el disco la versión de Corazón contento de Marisol y ya sólo me queda rendirme ante el talento de Ángela Bonet y su destreza a la hora de dar con el oro melódico que guarda cada imagen y llevárselo de paseo por sus campos imaginarios.

Más allá de cualquier delimitación estilística, subsiste en cada canción y en cada compás el talento de una buena letrista y una compositora de canciones que destila una personalidad propia y única, nada convencional en su manera de llevarte por ciertos caminos emocionales a base de dar las pinceladas justas con un lenguaje sencillo, a la par que poético y evocador. Un disco en el que sumergirse y dejarse llevar, hace sencillo pasearse por el borde de siete acantilados, siete abismos para sentir el vértigo que te acerca de manera inconsciente a nuestra propia naturaleza mortal e imperfecta, pero no menos maravillosa e intensa. Un buen disco.



Para comprar la edición física entra en:

Si quieres catar las canciones entre en su bandcamp:

CERRADO POR EL IVA

mayo 20, 2015 2 Comentarios

Sin música la vida sería un error. Friedrich Niestzsche

MANIFIESTO


Tras más de dos años sufriendo un abuso fiscal injustificado, en forma de un IVA del 21%, y el abandono histórico que las administraciones públicas han mantenido sobre la música en directo – el subsector cultural menos subvencionado en nuestro país – es el momento de reafirmar lo que valoramos y por lo que trabajamos:
  • Valoramos el carácter universal de la música como una de las formas de expresión y comprensión más antiguas- posiblemente la más antigua- de la humanidad, capaz de unir y emocionar a las personas, más allá de su origen, condición cultural y/o social.
  • Valoramos que la música, y particularmente la música popular en directo, es Patrimonio Cultural de todos los ciudadanos.
  • Valoramos la capacidad de nuestro país para producir nuevos contenidos musicales convertibles en riqueza y empleos sostenibles.
  • Valoramos la aportación social y cultural de todos los conciertos en directo y la importancia de tener un mercado competitivo para los más grandes con el fin de conseguir traer a nuestro país el mayor número posible de ellos.
  • Valoramos a los empresarios establecidos y a los emprendedores en sectores determinantes para la creación de imaginarios culturales propios, como es el mundo la música.
  • Valoramos las salas y locales donde se apuesta por programar música en directo y la importancia de que puedan ofrecer precios accesibles a todos los estratos sociales.
El deterioro de estos valores es vertiginoso y la música en vivo corre el peligro de desaparecer de nuestro país.

A la vista de la situación, exigimos al Gobierno una inmediata y significativa reducción en el tipo impositivo que actualmente grava el consumo final de música en vivo en nuestro país, y que nos coloca en una posición de extrema debilidad frente al resto de los principales países de la Zona Euro, que aplican a la música un impuesto del valor añadido reducido, para favorecer el consumo y la reinversión en talento.

Es por ello que los que suscriben este Manifiesto, se adhieren a la jornada de protesta convocada, por nuestras asociaciones, el próximo miércoles 20 de Mayo, día en que la música en vivo –y esperamos que también la que no es en vivo- callará totalmente, dejando salas y locales de conciertos en silencio, como muestra del vacío hacia donde nos lleva ser el país con el IVA sobre la música más alto de toda la Unión Europea.

Pedimos la adhesión a este Manifiesto al conjunto de todos los ciudadanos que consideran la música como algo fundamental en sus vidas y que, sin saberlo, están pagando y sufriendo las consecuencias de tan disparatada medida gubernamental.

En definitiva, seas quien seas y estés donde estés:
el 20 de Mayo apaga la música, para que en el futuro pueda sonar

Aretha Franklin - Spirit in the Dark (1970)

mayo 18, 2015 6 Comentarios

Cuando se enumeran las grandes voces de la música moderna del siglo XX parece que los nombres siempre serán los mismos, casi siempre hombres. Pero no, señor dame fuerzas para proclamar la divinidad de una de las voces más grandes de todos los tiempos, ladies and gentlemen, la gran e incuonmensurable Aretha Franklin.

Y es que si tuviéramos que llevar a cabo la difícil y casi imposible tarea de recomendar un largo duración que representara a Lady Soul, pues canciones y singles tiene a patadas, lo más probable es que todos coincidiéramos en I never loved a man the way I love you del 67, y no sólo por contener Respect, una canción que todo hay que decirlo en su voz, además de un himno por los derechos civiles, fue el supremo puñetazo de Aretha en un mundo regido por y para hombres, también por ser un disco que no tiene fisura alguna, es una masterpiece de todos los tiempos sin discusión alguna, lo que suele llamarse un "must have", no lo dudo. Pero no sería justo reducir la obra y la producción de LP's de este modo, Aretha Franklin tiene una discografía que supera con creces la de muchos clásicos del soul, del rock y de lo que queráis, en cantidad y en calidad, es inabarcable. Esos primeros discos en Atlantic empezando por el mencionado y pasando por Lady Soul, Aretha Now y Soul'69 son oro puro, de ese periodo quiero recomendaros otro de los discos que para mí es pura debilidad, el vinilo que tengo en orgullosa posesión en su reedición de 2002 en 180 gramos. Spirit in the Dark es un disco al que le tengo un gran aprecio, otra masterpiece, no reivindicada actualmente como la mencionada, pero recomendable como la que más.

Primeramente son la portada a dos colores de fuerte contraste y el título los elementos que dan al disco un halo especial, es el mismo rostro del desencanto del "Beatles for sale", que lo hay en sentimientos encontrados de una relación que terminaba, pero sobretodo con mucha ilusióny por otra que empezaba.  Otro detalle que me llama la atención es que Aretha toca el piano en casi todas las canciones, y además es el disco que mayor número de composiciones propias concentra, Aretha era una gran compositora de canciones. Por supuesto también está presente su enorme facilidad para hacer suyas canciones de procedencia variada, y ahí la elección de cada una está hecha con mucho gusto, respetando el tono de todo el disco y tocando todos los palos con maestría suprema.


Para la ocasión el sello puso todos los recursos a su alcance con la intención de lograr que el éxito y repercusión de uno de sus grandes valores no disminuyera ni un milímetro, y más teniendo en cuenta la cantidad de material de primera calidad que había grabado tan sólo tres años y medio, difícil de igualar.

Grabado en un período de diez meses, mucho tiempo si medimos con la vara cronológica de aquellos tiempos, demasiado tiempo para conseguir concentrar lo mejor del material de tres sesiones de grabación llevadas a cabo en diferentes lugares y con el peligro que podía suponer la dispersión del total, lo que no ocurrió, al contrario. Con una nómina de músicos que sólo de pensarlo realmente me pone los pelos de punta, por un lado los Muscle Shoals Rhythm Section, por otra los grandes Dixie Flyers, agrupaciones de instrumentistas populares y que no necesitan presentación alguna, entre los que se mezclaron los coros de las Sweet Inspirations, y otros nombres de peso como Duanne Allman y un todavía desconocido Eddie Hinton, siempre metidos en fregados como éste, y sin dejarme un Cornell Dupree (también en From a wishper to a scream) que confería siempre gran calidad a las seis cuerdas con su estilo cargado de blues.

El disco abre con uno de los dos hits del disco, la versión de Don't Play That Song (You Lied) popularizada por Ben E. King en el 62, le da un aire gospel-pop y le resta bastante del carácter dramático de la original, otra gran versión es la sugerente The Thrill Is Gone (From Yesterday 's Kiss) de B.B. King (oh, el rey se nos fue), Aretha lleva el blues bien adentro, también de blues va Honest I Do de Jimmy Reed, una declaración de intenciones respecto a su manera de vivir y entender la música. Pero Aretha es atrevida y sale de la música negra marcándose la versión de Oh No Not My Baby de Carole King dándole un punto funky y unos arreglos de sección de cuerda celestiales, otra versión espectacular es When The Battle Is Over recolectada de New Orleans de la mano de Dr. John. De las canciones de su cosecha, You And Me es la más alegre del disco, lleva unos coros de auténtico júbilo, sección de cuerda y guitarra para correrse a gusto. Spirit in the dark, la que da título al disco también es suya, es una de las mejores canciones que ha compuesto, también tuvo su éxito como single, el gospel y el pop se dan la mano de manera brillante como sólo ella es capaz de hacer. Y por favor amigas/amigos, escucha One Way Ticket con órgano espectral y la guitarra de Dupree destilando blues en cada riff, rematado con una Aretha espectacular y unos coros gospel de estremecerse.

Escribiendo y escuchando esta maravilla se me erizan los pelos a cada compás y en cada acorde, nada le sobra, la interpretación de Aretha Franklin es de auténtico gozo, con unos arreglos perfectos y los mejores músicos del momento. Una de las producciones más finas de Atlantic, mi disco favorito de Lady Soul, una delicia que mezcla gospel, soul, pop, r&b y blues, una colección de canciones que me hace tocar el cielo, imprescindible. Aretha Franklin es una de las artistas más grandes que nos ha dado la música.

Os dejo este video clip interpretando Spirit in the dark en el 71 tocando con nada menos que Ray Charles. 



Escrito originalmente en valenciano para NO SÉ VIURE SENSE ROCK

Crónica concierto Los Radiadores + Punka! en la Sala 16 Toneladas (16/05/2015)

mayo 17, 2015 5 Comentarios

Lo prometido es deuda, uno de mis objetivos en la presente campaña era ver a Los Radiadores en directo, Manual de supervivencia me puso la mosca detrás de la oreja,  ojo porque es un buen disco nada valorado, pero la idea se asentó cuando Gasolina, santos y calaveras (entrar aqui) empezó a formar parte de mis escuchas diarias, como un eslabón perdido entre los Clash y Joy Divison, entre Parálisis Permanente y Los Enemigos, pero ante todo es su nombre el que viene a la cabeza al primer compás de cada canción, y eso tiene un valor añadido, al menos para mí, pués principalmente admiro la personalidad que destilan, y que además refleja los tiempos que corren. Rock de su tiempo con sus fealdades y con sus posibilidades, con sus pataleos y sus verdades molestas, con determinación, características que no abundan demasiado entre los grandes acabados de las nuevas producciones y los barnices brillantes de corte clásico que también son bienvenidos, pues a nadie amarga un dulce, pero no a cualquier precio. 

La noche empezó con retraso, licencia admisible sólo si se trata del sábado. Abrió la noche Punka!, un grupo anclado en el '77, tres acordes y rock'n'roll, toques de garage y un algo de los Cramps, canciones intensas y breves, buen sonido, pensé al instante en el valor que tendría esta banda si dejara el inglés y abrazara su lengua vernacular, porque lo que hacen lo hacen bien pero el ataque sería más directo y contundente a través de sus versos, marcaría la diferencia, estoy seguro, aunque sólo es una impresión muy personal y puede ser equivocada, nunca les había escuchado y quizás no tengo la perspectiva suficiente, en definitiva me gustaron.

Los Radiadores entraron en escena bajo el auspicio del aullido del lobo y atacaron su repertorio con la espina dorsal de su último disco y algunas jugosas versiones. Abrieron fuego con La voz de los presentes, recuperaron Bienvenidos de su primer disco, y definitivamente entraron en calor y eclosionaron en On y Off y Sin dejar de sonreir, la guitarra del Joven empezó a cortar el aire, y Perrín se sumergía entre sus líneas de auténtica unkonwn pleasure dando cuerpo post-rock al invento, A Cabezazos pongo por testigo, fantástica al natural. Es innegable que Tiempos de destrucción es su hit, una canción con gancho, además Raúl Tamarit tiene presencia escénica para defender tal subversivo alegato, es un frontman nato y lo consigue sin estridencias, con su voz sin domesticar y sus cortantes rascados clashianos, hasta se atrevió a agitar su guitarra con un arco a la John Cale. A todos lo presentes nos recorrió de gusto el espinazo la fantástica versión que se marcaron de los Stooges Quiero ser tu perro, incluso tuvimos un fan alcanzando el éxtasis con sus compulsivos movimientos marca CGBG. 


También sirvió el directo para prestar más atención a su anterior Manual de supervivencia, del que rescataron su canción titular y una fenomenal No me achantaré, precedida por Policía detrás la versión de los Equals vía The Clash, de auténtico delirio fue también la versión de Chinise Rocks, la canción de Richard Hell y Dee Dee Ramone, que no deja lugar a dudas de donde habitan sus Santos. No faltó el correspondiente bis, recuperaron Nancy del grupo Zoquillos, olvidado grupo madrileño de los 80, una canción que encasta perfecta en su ideario. En El Hospital se explayaron a gusto, me quité el sombrero y el respetable le hizo una ola al Joven con su catártico solo, me gustó mucho el guiño final a Ziggy Stardust por parte de Raúl. Cerró el concierto uno de los retos de la noche, llevar Círculos concéntricos al directo no era tarea fácil, y más prescindiendo del teclado que en la grabación da su punto orquestal, tras una salida en falso despejaron la incógnita a tonada más directa y cruda. 

Fue un gran concierto con muy buen sonido, por una parte por la sonorización maestra y clara, algo que a estos niveles no suele ser habitual en la capital del Turia, y por otra parte es encomiable en un grupo de estas características el fino equilibrio y el empaque, sobretodo porque las dos guitarras se  entrelazaron sin perder fuerza y sin esconder la voz y la letra, parte importante en canciones de este calado insurgente, mención especial al seguro de vida que supone tener detrás a Metralla Vila y unas líneas de bajo no menos protagonistas y esenciales, partes de un todo que les confiere una voz propia, puede que estemos ante un sonido "radiadores".

La guinda del pastel la puso el ilustre exiliado madrileño Dj Savoy Truffle (en ilustre custodia valenciana), en una sesión antológica, moldeó su sesión proporcionando un epílogo cargado de clásicos del rock'n'roll, r&b, punk y garage, superó con creces el repertorio elegido la última vez en la Konvencion Kinks a base de canciones menos obvias y no menos grandes, bailamos y reimos en la noche que, al fin, Los Radiadores tomaron Valencia y encendieron la mecha de la gran traca final que se acerca a finales de mayo.


Setlist Los Radiadores

La voz de los presentes
Bienvenido
On y Off
Sin dejar de sonreir
Manual de supervivencia
Hasta el final
A cabezazos
Tiempos de destrucción
Quiero ser tu perro
Gasolina, santos y calaveras
Un viejo robot
Policía detrás
No me achantaré
Un nuevo imperio
Chinise Rocks

Nancy
El hospital
Círculos concéntricos

Bettye LaVette - Worthy (2015)

mayo 13, 2015 6 Comentarios

Desde las American Recordings los cantes jondos de la tercera edad se han convertido en un género en si mismos, y no es para menos, si se lleva con respeto y sin artifico, dejando que transpiren su carga, puede dejar grandes obras musicales para la posteridad.

Está toda la mística de la experiencia, de estar de vuelta de todo y de saber más por viejo que por diablo, pero no, hacerse mayor no es cool, es una mierda como una casa, disculpen la escatología, pero quería dejarlo claro desde el primer párrafo, las cosas como son, la mella que va dejando el paso del tiempo duele, los recuerdos más antiguos cobran vida y te asaltan sin pretenderlo, unos esbozando una sonrisa espontánea, otros te raján el alma por dentro, y la lucha se transforma en una supervivencia donde el objetivo primordial es llevar una vida con la máxima dignidad posible, al final queda lo que uno es, y uno es la suma de las cosas que ha hecho, pero también la resta de las que no. Cuando esta profundidad aparece en una obra musical estremece, es cosa seria, pone el alma del revés, y creo que este Worthy de Betty LaVette me ha atrapado sin yo buscarlo por esa autenticidad que rezuma de principio a fin.

Puede pensarse que otro disco de versiones resulta innecesario a priori, aunque sea Joe Henry el que controle que todo esté en su sitio y suene como en el salón de tu casa, pero es que LaVette continúa ofreciendo re-interpretaciones magistrales venga de donde venga la canción, aquí el juego no es la comparación con la original, aquí se trata de escuchar un discurso propio, unos sentimientos auténticos y una emoción desbordante donde la voz cascada de LaVette suena a whisky, a años y a empezar a sacarse todo el peso innecesario, esto es interpretar, esto y nada más. Además las canciones elegidas no son nada obvias, aunque se recurren a algunos de los grandes nombres del rock, otros tantos desconocidos, y algunos de la mano de Henry, en todo caso no esperéis una tanda de minutaje para la complacencia, ni para hinchar de ego y homenaje a la artista clásica de turno, Betty LaVette deconstruye cada una de las canciones y las pasa por su filtro, deberás conocerlas bien de antemano para reconocerlas, cosa que por contra no supone ningún esfuerzo, habida cuenta de la gran maestría desplegada a ambos lados de la mesa de mezclas.

Unbelievable no es que sea una de las más conocidas de Bob Dylan, quizás este hecho la convierte más en una novedad en la particular visión de LaVette, tiene un punto muy funky y parece encontrar el punto de vista necesario desde la perspectiva que da el tiempo y las experiencias vividas, atención a When I Was A Young Girl y ese groove sugerente tan de rock setentero con una guitarra de auténtico gozo blues, y ahora sí, con reivindicación del poco recordado grupo británico Savoy Brown con esta canción incluida en su Raw Sienna del 70, una gozada la versión que se marca LaVette, no tengo otras palabras. La balada Bless Us All es de estremecerse directamente, la letra de por si ya tiene mucha fuerza  "Bless the losers God's lost children, the drunks, the fools, the ones that never do win, huddled with their backs turned to the cold wind seeking any shelter from their pain" y ese "Shelter from the rain" en la voz de LaVette suena a oración y a verdad.


Otro baladón es Stop del propio Henry, una delicia con el piano de protagonista, casi puede escucharse los mecanismos del martillo del piano moviéndose hacia la cuerda, que bueno sr.Henry. El Complicated de los Rolling Stones podría cumplir perfectamente su papel de canción hit, una grandísima versión, la más animada del disco, muy buena. Otra balada, Where A Life Goes es de una belleza y profundidad conmovedora "Is it sadness that filled up your life? Find the liquor and wash it away". Cuanta grandeza en Just Between You And Me And The Wall, You're a Fool, sonido que se balancea entre el deep-blues y la interpretación soul-jazz vocal, un trabajo de guitarra exquisito. Y bueno, del Wait de los Beatles solo decir que cualquier parecido con la original es pura coincidencia, cosa que poco importa, si te sabes la letra alucinarás con el feeling que desprende en boca de LaVette, Step Away da un respiro a tanta intensidad, muy Stax, una delicia. Cierra Worthy que si la original de Mary Gauthier ya es muy buena (entrad aquí por favor), no lo es menos esta re-interpretación estremecedora, que en definitiva es el alma de este disco... "Left stumbling in the dark, I had to go within, so I traced my scars, back to where I’d been a diamond in the dirt, perfectly concealed down beneath the hurt, it’s been so hard to feel". Si dejáis que estas canciones entren, no os dejaran en tiempo.

No le voy a quitar mérito a Joe Henry, puesto que posiblemente nos hallamos ante uno de los trabajos más finos del productor y arreglista, para mi superior a I've Got My Own Hell to Raise (2005), también producido por él. Guitarras eléctricas suntuosas y cargadas de buen blues, órganos y teclados que en un segundo plano enriquecen más que llenan, y un contrabajo que pondrá a prueba los altavoces de tu casa, estamos ante una producción que debería compararse con el Don't Give Up On Me de Solomon Burke, aunque queda más que claro que no dispone de la baza mediática inherente a los grandes regresos o las nuevas reinvendiones del artista de turno, puesto que Betty LaVette ya lleva bastantes años entregando trabajos de aunténtico gozo, si que tengo que apuntar que es uno de sus trabajos más conseguidos, incluso me atrevo a afirmar que por poco, mejor que su anterior Thankful N' Thoughtful.

No se trata sólo de mi homenaje a una de las grandes damas del soul, es que Worthy me ha pillado de improvisto y ha conseguido que la actualidad desaparezca de debajo de mis pies desde la primera canción, me ha erizado la piel y me ha emocionado, y no lo esperaba, canciones que rezuman verdad y arañan la vida con una intensidad desbordante. Un sobresaliente sin más.

Sin el arropo del estudio, ni de Joe Henry, en directo Betty LaVette consigue emocionar. 
Es una de las grandes, y aún en activo.


Escrito para Exile SH Magazine

Los Radiadores toman Valencia en la Sala 16 Toneladas

mayo 11, 2015 1 Comentario

Gasolina, santos y calaveras es uno de los discos más escuchados la presente temporada en esta Route, un disco de canciones urgentes, guitarras punzantes y lírica subversiva afilada y mordaz, un disco de rock de su tiempo, y por supuesto ya reseñado (entrar aquí). Así que es una alegría que el próximo día 16 de Mayo Los Radiadores tomen por fin la capital del Turia, esta incursión tendrá lugar en la Sala 16 Toneladas.

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Preparad los trajes de buzos

Neil Young - Harvest (1972)

mayo 11, 2015 7 Comentarios

Tengo este vinilo edición gatefold del 72 prácticamente inaudible, rayado del uso, ya toca reposición. Lo escuchaba al atardecer en un acto casi funerario, como despidiéndome de esta copia que me acompaña tantos años, mientras los últimos rayos de sol de la tarde me ofrecían un reflejo místico sobre la portada, una tarde Zen & Harvest. Me preguntaba que podría deciros, nada catedralicio, sólo impresiones. Me sigue fascinando como el primer día, pero no voy a decir que es el mejor disco de Neil Young porque no es cierto, sería como decir que Born To Run es el mejor disco de Bruce, o que Blonde On Blonde es el mejor de Dylan, categorizaciones de brocha gorda. Me fascina como After The Gold Rush, y me fascina como On The Beach y Tonight 's The Night, Zuma y .... un largo etc. Eso sí, Harvest si acaso es un gran árbol delante del bosque, un árbol inmenso y maravilloso que dió una sombra tan intensa que asustó al propio Young, todo sea dicho, por obra y gracia de Heart Of Gold y de todo el maniqueísmo country-rock que despertó al enorme monstruo que engullía fama y dinero a un ritmo escalofriante, por suerte Shakey se percató.

Pueden encontrarse muchos precedentes en esta mezcla, principalmente la de Bob Dylan en el Nashville Skyline que causó un fuerte impacto musical pues abrió de par en par las puertas de Nashville a la contracultura que empezaba a pisar territorio enemigo, capital de la country music y del orgullo musical americano, también es evidente la fascinación de Neil Young por The Band y sus grabaciones rústicas. Algunas llegaron antes, si, ... aunque su combinación es única y especial, nada más se le parece. Deslavazado, sin unidad de producción y con un desequilibrio manifiesto entre acústico, orquestado y eléctrico, interpretado con esa voz a punto de romperse y una lírica sencilla pero de una profundidad emocional que a veces roza la exageración aunque nunca llega. Hay mucha tinta vertida con este disco y podría hablar de las idas y venidas, de Broken Arrow y del estudio de grabación cuadrifónica, de egos gigantes con Stephen Stills y su salida de la popular agrupación, de un dolor de espalda brutal que le obligó a dejar el apartado artístico en manos de otros, de su bien querido amigo abatido por la heroína... etc

Pero mejor os contaré que estas canciones nacidas al amanecer después de la gran borrachera de la fiesta en Laurel Canyon con una resaca de tres pares, con botellas vacías por el suelo y alguna jeringuilla tirada en el baño, reconfortan desde su fragilidad, como si un haz de luz cálida y tenue saliera de After The Gold Rush, atravesara Déjà Vu y tendiera a infinito en Harvest. Es puro Neil Young. No hay más. No hagan un estudio estilístico sobre el country y el rock, o entre antiguo y moderno, simplemente trata de su enorme capacidad para comunicar y enaltecer con intensidad inusitada y transparencia absoluta todas estas emociones y sentimientos que nos hacen tan humanos e impuros, tan de carne y hueso, canciones para intentar sacarse la espina y seguir adelante antes de que el hundimiento y el desencanto se apoderen de uno, versos que te llevan a una toma de contacto con la mortalidad consciente, con la belleza imperfecta de la vida.

Out on the Weekend abre a ralentí con esa harmónica sencilla y nostálgica que nos sumerge en sus pensamientos, y en el sur en un plano sonoro, la tradición fluye grácil y melodiosa en Harvest, y Ben Keith empieza a colorear con sus líneas de fantasía country esta canción que convierte la tristeza en una nana para adultos extraviados por los reveses que da la vida. Como una banda sonora del corazón A Man Needs a Maid da paso a la orquesta, arreglos que quizás estén mejor llevados que en la grandilocuente There 's A World, posiblemente las dos ovejas negras del disco, aunque las sentidas interpretaciones de Young tienen la capacidad situarse siempre en el centro y disipar toda duda, nunca se me pasaron por la cabeza otras versiones, este disco me gusta como està. Heart Of Gold está ya muy manoseada pero sigue teniendo magia, nunca cansa, una canción a la que ya le sobra el prejuicio por su condición super-venta, perfecta, oh Linda! un ángel, esto es puro Zen y búsqueda del yo interior. Are You Ready for the Country? es una maravilla del country-rock, uno de tantos cantos que Young hizo contra el estado, versos sencillos y bien claros que arrancan de cuajo esos carteles en las paredes de Tío Sam señalando a la juventud.

Old Man abre la segunda cara con James Taylor haciendo del banjo el instrumento pop que es ahora, Young confesó en diversas ocasiones que le inspiró el viejo conserje de la granja, aunque para mi significa mucho más, siempre creí que a través de esa figura trata de comprender y redimir los errores que vemos en nuestros padres, humanizando a la vez la figura idealizada que siempre tiene un hijo de su padre. Y vale que Alabama todos sabemos de donde sale o a cual se parece por temática y sonido, pero hablar de plagio sin salir de la obra de un mismo artista no me resulta lógico, yo prefiero llamarlo personalidad y estilo, no cambiaría ese riff por nada del mundo. The Needle and the Damage Done es para mí la joya del disco, sin tratar, ni producir, la interpretación es tan grande que no hizo falta regrabar-la, cruda, dolorosa y bella. Words (Between the Lines of Age) es tan buena como poco reivindicada, la más larga del disco, con una profunda reflexión sobre su propia naturaleza de cantautor, difícil saber si es una reafirmación o quizás camina hacia el abandono absoluto.

Con demasiada frecuencia se tiende a desacreditar discos de toda la vida en contraposición a otras obras menos conocidas, he leído últimamente verdaderas barbaridades hacia este disco en comentarios de diversa procedencia, actos de impostura elitista. No hay que ser cazurro. Tampoco toméis esta reseña como verdad absoluta, es simplemente mi sentido homenaje a un disco con el que aprendí que unas partes imperfectas pueden sumar un todo sublime, también me enseñó que los sonidos de raíces con procedencia yanqui no tenían porque estar interpretados por unos tipos con sombreros de cowboy y chaquetas con chorreras cantando con fuerte acento tejano lo bonito que es ser americano, para mí fue un disco de aprendizaje, el libro de texto de EGB, con lecciones como la de los Stray Gators introduciendo la pedal steel de la mano del gran Ben Keith, o las voces de James Taylor, Linda Rontstad, y los CS&N señalando el camino a seguir hacia la caída de los prejuicios entre rock y country, entre el folk y todo lo demás. Un disco que forma parte de mi ideario vital. Además Harvest es, obviamente, una obra maestra de la cultura contemporánea se mire por donde se mire.


Escrito originalmente en NO SÉ VIURE SENSE ROCK 

Esther Phillips - From a whisper to a scream (1972)

mayo 05, 2015 1 Comentario

...arreglos en clave soul-jazz cuidadosos y llevados por la creme de la época, con una interpretación de la Phillips que te pone el corazón en un puño...


Pocas veces he gastado mi reducido presupuesto en época de vacas flacas de esta manera. From a whisper to a scream fue una compra hecha de un calentón tras una escuchada rápida en las redes sociales, las recomendaciones de mi amigo Joserra en estas materias (el box-set Baby, I'm for real pinchar aquí) son valor seguro. Dormí la noche en el sofá  el mismo día que el correo expres llamó a la puerta con el paquete vinílico. Pero valió la pena por las noches siguientes que pasé al abrigo de la voz de Esther Phillips y la mejor compañía bajo las sábanas, ahora es un vinilo sagrado en nuestra casa. Y es que hay tanto que descubrir en el soul que resulta casi inalcanzable, hay muchos nombres que se han olvidado pero que nos han dejado obras que provocan auténtico placer sonoro, en éstas, cuando se habla de soul actualmente, de verdad os digo que este disco debería tener su lugar entre los aficionados y amantes del género.

Como muchos cantantes de soul, Esther Phillips comenzó cantando en el coro de la iglesia y fascinó a un mecenas, Johnny Otis, una noche cualquiera cantando en un club entre humo y alcohol, entonces se convirtió en Little Esther Phillips y consiguió cierto reconocimiento en los 50 cantando R&B, escuchad Misery (pinchar enlace aquí), una favorita de todos los tiempos grabada con Otis para Savoy. En los 60 fue con Atlantic donde logró otros éxitos, por favor, no podéis perderos Try Me (pincha aquí) con el poco recordado King Curtis al saxo, sensacional. Una historia como muchas otras que iba de la mano de fuertes adicciones y visitas frecuentes al infierno existencial. Podríamos quedarnos aquí y Esther Phillips ya me parecería grande, pero no, su carrera tiene mucho más recorrido, en los setenta también se dejó seducir por la corriente disco en alguna ocasión, sin embargo no fue lo habitual y grabó muy buenas canciones.

Pero me quedaría sin dudar con este From a whisper to a scream si tuviera que elegir un disco representativo que por su colección de canciones me resulta inmejorable y que cada vez que lo pincho me parece mejor y más grande. Fue la primera referencia de Esther Phillips para Kudu, una subsidiaria de CTI, que en comparación con la mítica Atlantic se quedaba pequeña, pero fue refugio para unos cuantos artistas como Grover Washinton Jr., Johnny Hammond y Hank Crawford, que sin pretenderlo volvieron a la esencia popular del jazz, actualizándolo a la vez hacia un soul-jazz en contraposición con las corrientes free. Circunstancia que confiere a esta quinta referencia del sello unos arreglos que no merman nada su gran pegada, una producción cuidada al máximo, llevada con maestría por algunos de los mejores músicos del momento. Me llama poderosamente la atención las partes de guitarra que son realmente buenas, si seguís el rastro de Cornel Dupree y Eric Gale, encontraréis canela fina. También hay aquí mucho funky, y sin olvidar el gran e inefable Rudy Van Gelder único en esto de sacar oro del sonido grabado, pregunten por Blue Note.

El título no podía ser mejor, aquí encontraremos desde un susurro dulce hasta el grito más descarnado. Home Is Where the Hatred Is es original de Gil Scott Heron, un canto agrio a las adicciones que en principio cantó casi obligada, pues los últimos dos años los había pasado rehabilitándose, pero al fin y al cabo se convirtió en una de sus mejor interpretaciones, además presagiaba su fatal final, una canción que suena a ciudad, a esquina y a waiting for the dealer. From A Whisper To A Scream original del maestro Allen Toussaint tiene una guitarra de suave efecto wah-wah sugerente que alterna arreglos con una excelsa sección de vientos, y Esther con su fraseo de terciopelo, una pasada. La balada To Lay Down Beside You es tan dulce como sobrecogedora, placer deep-soul de alta calidad, continúa el disco con otra balada de deshacerse y fundirse en That's All Right With Me. Cierra la cara A del disco 'Til My Back Is not Got No Bone original de Eddie Floyd, se la lleva a su terreno soul-jazz, fíjense en el bajo, omnipresente en todo el disco dando cuerpo funky y trazando unas líneas propias y nada repetitivas, te hará mover el pie con mucho groove, quizás a muchos les recuerde a Amy Winehouse, pues hay cierta similitud en la voz y la interpretación, la de Candem aprehendió de las mejores, también fue una de las grandes no lo dudéis.

La cara B abre con otra composición de Tousssaint, Sweet Touch of Love es una canción festiva y alegre al amor con unos coros que recuerdan la época dorada de la motown, degustaréis una instrumentación exquisita, tónica en todo el disco. Baby, I'm for Real ya fue popularizada por Marvin Gaye, pero madre del amor hermoso!, la Phillips consigue con esta balada erizarte todo el pelamen del cuerpo, qué guitarra y qué saxo con fraseos de auténtico lujo y arreglos de fábula. You Love Is So Doggone Good es terciopelo soul de alta calidad, suave y sugerente, y cierra esta maravilla de los 70 una de mis preferidas, Scarred Knees en clave de blues, mucho feeling, deep delta blues en vena, acojonante.

Este disco representa muy bien el puente entre los 60 hacia los 70 en cuanto a música negra se refiere, puede que no tuviera tanta repercusión como el soul de mantequilla de Isaac Hayes, el debut de Curtis Mayfield o el Whats Going On de Marvin Gaye, pero en cuanto a la calidad no tengo ninguan duda, arreglos en clave soul-jazz cuidados al máximo y llevados por la creme de la época, con una interpretación de la Phillips que te pone el corazón en un puño. Un abanico de estilos que abarca desde el blues hasta baladas de deep-soul, actualiza los parámetros del soul añadiendo un sabor delicioso de funky. Con From a whisper to a scream consiguió uno de sus mejores trabajos, y algunas de las interpretaciones más grandes del soul de los 70. Una joya que para mí es imprescindible.



Escrito originalmente en valenciano para NO SÉ VIURE SENSE ROCK

Badlands - Prodigy (2015) EP

mayo 04, 2015 1 Comentario

El pasado 1 de mayo asistí a la presentación del EP Prodigy del grupo country Badlands, nada tuvo que ver con el concierto que presencié en febrero (crónica router pinchar aquí), debido a una serie de catastróficas desdichas técnicas inexplicables que empañaron el directo y le quitaron lustre, aunque no fue del todo mal, el grupo se esforzó para no caer presa de los nervios, algo lógico y normal teniendo en cuenta lo excepcional de la ocasión. Tuvieron el temple suficiente para no echarlo todo por la borda, pués yo en su lugar hubiera bajado del escenario y me hubiera marchado a casa, mi enfado fue monumental con la Sala y el equipo técnico, espero que pongan remedio a tales deficiencias. Por suerte sus grandes bazas, ilusión y fuerza, estuvieron presentes y salvaron su repertorio del desastre total. Hechos que no obstante no quitan ni restan credibilidad a un grupo que se encuentra ahora mismo en pleno ascenso.

Con Prodigy se estrenan oficialmente con cuatro canciones de su puño y letra, una instrumental, con las que comprobar sus capacidades a la hora de componer su propio repertorio, un reto considerable teniendo en cuenta que sus directos se basan en su mayoría de versiones ajenas, a las que por cierto imprimen una fuerza y una pasión considerables.


Y efectivamente, las dudas se disipan. El EP abre con Prodigy, una maravilla instrumental a modo de banda sonora evocadora que suena a prados y campo abierto, le sigue Owl Train, muy bien construida sobre el entrelazado de acústica y banjo de Mike Fernández (Red Buffalo, Gran Quivira) y Raúl Pruñonosa respectivamente, omnipresentes en todo momento, y que remata una línea melódica a cargo del violín de Raff Dean, perfecto colchón country para que la voz de May May Ibañez se abra paso, a diferencia de la potencia de los directos, más sosegada, con una melodía a caballo entre el country más añejo y el sonido de las nuevas bandas (Shovels & Rope, Avett Brothers...), Back To Badlands es una balada que me recuerda a Emmylou Harris, a mi entender la voz de May May gana muchos enteros en esta cadencia más lenta, además con el contraste que da la emoción que imprime al estribillo, esta canción aporta otras dos novedades al sonido habitual del grupo, por una parte la guitarra eléctrica de Mike Fernández que utiliza cuál pedal steel y la harmónica que confiere al sonido un carácter más evocador, elementos que para mí suponen un paso adelante. Cierra el EP Dr.Whiskey, una delicia country-pop que lanzada en plena avenida principal de Nashville sería éxito seguro, de nuevo la sombra de las grandes divas del country de los 70 se personan en esta maravilla anacrónica, añeja y alejada de todo cuanto suena a orillas del Turia. 

Un gran paso adelante para este grupo novel que a mi entender supera el estigma de banda de versiones, estas canciones de su puño y letra ofrecen unos cuantos matices más a la ya consabida potencia que destilan en sus directos. No cabe más que esperar a su próximo disco en el que ya están trabajando, según adelantaron llevará por título Homecoming. Permanezcan atentos a Badlands.



Podéis descargar y oir estas canciones en su Bandcamp, pinchar aquí
Aunque aconsejo que compréis la copia física, por una parte para apoyar a la banda, y por otra por el diseño de banjo en el cd, bonito bonito.

Badlands son:
May Ibañez (Voz)
Mike Fernandez (Guitarra)
Raul Pruñonosa (Banjo y coros)
Raff Deen (Violin)
Isaac García (Batería)

Crónica concierto Johnny B Zero (Sala Wah Wah 01/05/15)

mayo 03, 2015 Comentar

El pasado viernes 1 de mayo Johnny B Zero ofrecía su apoyo al grupo country Badlands abriendo la noche para ellos en el día de la presentación de su primer EP Prodigy. La verdad es que ver una sala como la Wah Wah repleta con dos grupos locales en el cartel da para ser optimista digan lo que digan las predicciones, hice cola para entrar, algo que para mí es ciencia-ficción a estos niveles, hay mucha gente que los fines de semana paga su entrada y no sólo para ver una vieja gloria pasear sus viejas canciones, está claro que todo podría ser mejor. Pero tenemos buenos grupos cerca, y tenemos buenos locales donde poder ir a verlos, hay mucha oferta si, pero eso en definitiva malo no es.

Aluciné en colores con la actuación de los valencianos Johnny B Zero, sacaron un sonido perfecto, y armaron una fiesta de rock que hizo saltar y mover los pies al respetable, confieso que hacía tiempo que no veía un guitarra tocada con tal maestría encima de un escenario, y no me refiero sólo al hecho técnico, que lo hubo, es además la clase que destiló en todo el concierto, sin perder la compostura, con mucho oficio pero con el punto justo de arrojo y saber estar, se comporta como una estrella de rock, pero es que podría serlo perfectamente, y eso me gusta. En directo más que en el disco, que no está nada mal por otra parte (pinchen aquí), se denota más que Juanma es de formación clásica, aunque la música que hace con Johnny B Zero no es para nada un revival, suena actual y moderno en el mejor sentido de la palabra, se balancea con gracia entre el sonido setentero y la actualidad.

Abrió el concierto con Black spots in the sun, una de las nuevas canciones de su próximo disco, solo con guitarra y los ruidos de Julio, una canción que sonó sencilla y plana, pero con cierto aire experimental, ya con la banda al completo empezó la fiesta de rock con Planted like a tree, una canción con pegada y que en directo con la banda me gustó bastante más que en el disco, llegó You go y es imposible no acordarse de los fab4 y de Lennon desgañitándose, se sabe el blanco de los Beatles de pe a pa, Be my pal es un hit como la copa de un pino, y Lover ofreció otro de los pildorazos de pop, me hizo imaginar donde estarían los Strokes si no se hubieran perdido en el despacho de una gran compañía planeando la siguiente rimbombancia en vez de hacer buen rock, presentaron Walking the fields de su próximo disco y la verdad es que hace presagiar un muy buen trabajo de rock y guitarras, el fraséo vocal de Plastic Bag me recordó al puntito freak de Devendra Banhart en versión electrica. Y cerraron por todo lo alto con la apoteosis de Get out of my way un blues-rock estilizado y guitarrero muy Black Keys pero armado  con la influencia de Jimi Hendrix.

La noche del viernes mandaron las guitarras, con un setlist que sin recurrir a versiones lució a las mil maravillas y en ningún momento palideció, quedé con ganas de más. Juanma sabe estar encima de un escenario, le da ese puntio teatral y de descontrol que piden las canciones. Un directo el de Johnny B Zero del que no me quedaré sin recomendar a los organizadores y programadores de festivales y enventos turísticos varios, este espectáculo le planta cara a cualquier guiri que venga por aquí empuñando una guitarra, sea escenario verde o primaveral. Si actúan cerca de tu casa hazte un favor y no te los pierdas.

Setlists de Johnny B Zero en la Sala Wah Wah el 1 mayo
Black spots in the sun (nuevo album)
Planted like a tree
You go
Be my pal
Lover
Gold
Low life
Walking the fields (nuevo disco)
Plastic bag
Get out of my way

Johnny B. Zero - May Day! (2014)

mayo 03, 2015 1 Comentario
Si te da la sensación de que los Black Keys se deshincharon, y que Jack White se ha adentrado hasta lo indecible por el camino de lo cool, o que, ya puestos a maldecir, nadie va a salvar al rock, y menos los Strokes, no pasa nada, Johnny B Zero es la solución a vuestros males si buscáis rock y pop de la vieja escuela, de melodías y estribillos contagiosos, pero que suene moderno en el mejor sentido del término, en May Day!. hay las dosis justas de blues, soul, pop y folk, estimulante, fresco, con melodías contagiosas, riffs poderosos, interpretación que te pega las orejas a los altavoces y te hace mover los pies.

Para quien aún no les conoce, Johnny B Zero es el proyecto personal de Juanma Pastor junto al grupo formado por Lukas Laimer (batería), Luis Cirulli (percusión), Nando Vidagañ (bajo), Raúl Narbón "Pope" (guitarra acústica) y Julio Fuertes (guitarra y ruidos varios). No son conocidos y editaron May Day!, su primer disco, el año pasado, aunque sus canciones no dan la sensación de pertenecer a un grupo recién llegado. Su alma matter es un loco de la guitarra desde la tierna infancia y alumno aventajado de Graham Foster, con quien aprendió de primera mano los secretos de las séis cuerdas, además en su música se filtran de manera sutil los grandes nombres del rock, Jimi Hendrix está presente, Beatles y Rolling Stones también.


Plated like a tree abre el disco, perfecta como la punta de lanza que describa su base clásica de miras modernas. I'm missing your eyes con una acústica rítmica y una línea de guitarra que me recuerda a los Flamin' Grovies, es una gran canción con un estribillo contagioso que en un mundo normal sería un gran hit.  Plastic bag se cimenta sobre el blues pero avanza con melodía pop y Get Out Of My Way tiene un riff contagioso, potente y trepidante, Low Life transita por el mismo sendero que se acerca sin tocar el hard-rock. The sound and the fury es perfecta para irse olvidando de los Black Keys y Lover la canción que a Julian Casablancas le hubiera gustado grabar para recuperar el prestigio de su malogrado grupo, con un estribillo contagioso y una muy buen interpretación.

Un puñado de canciones muy disfrutables, una buena instantánea que describe el buen rock en su sentido moderno y actuál, con fundamento clásico pero mirando siempre adelante, con la sensación de que el mejor trabajo de Juanma Pastor con la encarnación que él prefiera, ya sea Johnny B Zero o se llame como se llame, está por llegar, atentos a sus pantallas porque un pajarito me ha contado que ya hay canciones para el segundo disco.

May Day! está muy trabajado, con una producción compensada y muy equilibrada donde las guitarras mandan, aunque ojo, la interpretación no tiene nada que envidiar a los nombres que lucen en lo alto de los carteles, ojo con Johnny B Zero, escuchad este disco en su bandcamp (pinchar aquí) y me contáis.




"Odio las canciones que te hacen pensar que no sirves para nada. Odio las canciones que te dicen que has nacido para perder. Que no le sirves a nadie. Que no sirves para nada, porque eres muy joven o muy viejo, muy gordo o muy delgado, muy feo o muy ésto o aquello. Canciones que te deprimen o canciones que se ríen de ti por tu mala suerte o tus desgracias. Quiero luchar contra esas canciones hasta el último aliento y la última gota de mi sangre. Quiero cantar y demostrar que éste es tu mundo, aunque te haya golpeado y te haya tumbado docenas de veces. aunque te haya golpeado y arrastrado. Sin importar el color, tamaño ni constitución, quiero cantar canciones que te hagan sentir orgulloso."
Woody Guthrie